Dans cet article je te présente une de mes newsletters en exemple , afin que tu te rendes comptes à quoi elles peuvent ressembler en terme de contenu et de structure.

Bonjour, 

Ce mois-ci je sors de mes thèmes favoris de paysages ou de natures mortes, pour te parler du challenge de faire des images, en vacances ou lors d’un voyage.

En particulier quand tu ne peux pas toujours choisir les moments ou la lumière sera la meilleure, ni prendre tout ton temps…Mais que tu souhaites quand même que tes photographies sortent un peu des sentiers battus

J’ai récemment trouvé cette façon de procéder : Trouver un sujet spécifique, caractéristique du lieux, sur lequel se concentrer et en faire l’élément principal de l’image.

Nouvelles photographies

Fontaines

Par exemple, lors de mon court séjour à Besançon, le sujet a été les fontaines publiques. Elles y sont nombreuses et s’insèrent très bien dans le style XVII -ème siècle de la vieille ville.

• « Moment de pudeur » (Fontaine des dames )

ISO 100- Mode A- 140mm- Mesure pondérée centrale- f14- 1/100 sec

• « Tant va la cruche ….. »(Fontaine du Doubs)

ISO 400- Mode A- 70mm- Mesure pondérée centrale- f11- 1/1000 sec.

– « Résurgence de la bombarde » (fontaine de Saint Quentin)

ISO 100- Mode A- 40mm- Mesure pondérée centrale- +0.67 IL- f16- 0.4sec

J’ai bien eu du mal à la dénicher celle-ci. Même en demandant à des passants, tellement elle sort de l’ordinaire. Mais quand je l’ai vu, elle m’ a tout de suite fait penser à la gueule d’un canon de vieux trois-mâts.

Les lustres des Habsbourg

Après Besançon, changement de lieu et de décor : Vienne en Autriche

Durant la visite du chateau de Schönbrunn, résidence impériale des Habsbourg, j’ai été frappé par les lustres en Crystal de Bohème, que je trouvais très représentatifs du luxe et de la grandeur de l’ancien empire Austro-Hongrois. Et j’ai donc volontairement cadré dessus, quitte à perdre les parties basses des salles, aussi somptueuses soient elles.

Exifs: ISO 3200- Mode A- 40 mm- Mesure pondérée centrale- +2IL- f9- 1/15 sec

ISO 3200- Mode A- 40 mm- Mesure pondérée centrale- +2IL- f9- 1/25 sec

Exifs ; ISO 3200- Mode A- 40 mm- Mesure pondérée centrale- +2IL- f9- 1/13 sec

ISO 3200- Mode A- 40 mm- Mesure pondérée centrale- -2IL- f9- 1/50 sec

ISO 3200- Mode A- 40 mm- Mesure pondérée centrale- -2IL- f9- 1/20 sec

Blog,

Pas de nouvel article mais une remarque concernant celui du mois précédent (plaisir d’un tirage photo).

Peux être as tu voulu mettre un commentaire mais a été bloqué par le captcha. C ‘était dû au « template » utilisé pour mes articles de blog. Pour réussir à poster le commentaire, il faut rafraichir le captcha. Les messages d’erreurs ont, depuis, été mis à jour pour donner cette petite consigne, valable pour tous mes articles passés ou à venir.

Mes conseils / astuces de photographe

Désormais une nouvelle rubrique dans mes newsletters. J’y partagerai mon expérience sur la prise de vue ou le post-traitement.

Pour la série sur les lustres, outre le cadrage très spécifique sur ceux -ci, j’ai réglé , dès la prise de vue, la balance des blancs sur 3400 degrés Kelvin.

Cela a permis d’avoir un rendu immédiat des images proche de celui présent lors de la visite. 

(Pour régler la balance des blancs, aller dans le menu de la balance des blancs ( ou WB), sélectionner le symbole « K », saisir la valeur de température de couleur désirée, en se basant sur l’échelle ci-dessous, puis valider.)

crédit photo: photosavi.com

Voilà.

SI tu as aimé cette newsletter et que tu souhaites continuer à me suivre, tu peux t’inscrire directement ci -dessous, pour recevoir, gratuitement, par mail les prochaines. Elles paraissent une fois par mois.

Et saches que si jamais, un jour, tu ne souhaites plus les recevoir,  tu pourras résilier, à tout moment, ton abonnement. Par simple demande en retour du mail.

Bruno

Bulletin d’abonnement

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L’article Une de mes newsletters en exemple est apparu en premier sur Bruno Patrel Photographies.

Ah le plaisir de tenir entre ses mains un beau tirage photo, surtout s’il est de bonnes dimensions, format A3 (42*29,7 cm) ou plus, sur un papier Fine Art… A chaque fois que j’en reçois un de mon prestataire d‘impression, je ressens la même sensation.

De nos jours on regarde principalement les photographies sur écran. Mais si on gagne en vitesse et en argent, on y perd beaucoup en satisfaction, que ce soit en termes de plaisir, de compréhension de l’œuvre, ou de fierté.

Beaucoup de photographes vantent les mérites d’imprimer ses images, pour mieux les analyser, voire les améliorer ensuite ou les écarter. Mais j’ai envie, dans cet article de vous expliquer les raisons pour lesquelles j’éprouve, en tant que visiteur/client du plaisir à voir ou tenir entre mes doigts un beau tirage.

Pour les plaisirs visuel, tactile et celui de reprendre la maitrise de mon temps, que cela procure

Plaisir visuel d’un beau tirage

1-    Grâce à la taille

Un smartphone a un écran qui peut aller jusqu’ à 6-7 pouces soit au mieux 17 cm de diagonale, une tablette jusqu’ à 11 pouces (25 cm de diamètre). Les écrans d’ordinateur de bureau de 21 pouces font 53 cm de diagonale, l’équivalent d’une feuille A3. Un tirage 60*40 aura lui 72 cm de diagonale. Sur ces derniers l’œuvre va donc mieux rendre et on pourra plus facilement observer ses détails. C’est comme regarder un film au cinéma sur grand écran, par rapport à le voir sur sa télévision.

2- Par immersion dans l’œuvre

Outre la différence due à la taille de l’œuvre, sur un tirage, on peut aussi admirer celle-ci de très près, à quelques cm seulement de ses yeux, sans se les abimer. Et on peut aussi reculer pour avoir une meilleure vision d’ensemble.

Cet aller -retour entre vision d’ensemble et vision très proche va permettre une meilleure immersion dans l’œuvre. Et une meilleure compréhension de ce que le photographe a voulu transmettre. En particulier si c’est une émotion, ou une signification, indicible, qu’on ne percevra peut-être pas en scrollant trop vite l’image sur un écran.

3- Grâce au rendu

Ça rend encore mieux que sur écran !  C’est le genre de commentaires que j’ai parfois d’organisateurs d’expositions ou de clients devant mes tirages.

Plusieurs raisons à cela :

Tout d’abord, tous les écrans ne sont pas calibrés, loin de là. Et donc la luminosité et même le rendu colorimétrique vont être très impactés par ceux-ci, voire différents de celui voulu par le photographe. Rien qu’à voir la différence que j’ai sur mon smartphone par rapport à mon écran calibré d’ordinateur…….

Ensuite, pour les tirages, le photographe va choisir avec soin son papier en fonction du thème de ses images et du rendu souhaité. Certaines photos rendent mieux sur papier mat, d’autres sur papier satiné, voire brillant. Il m’est aussi arrivé d’admirer lors d’expos de très beaux Noirs et Blancs tirés sur plaque d’aluminium brossé. Et pour les tirages d’Art dit Fine Art, on peut même sélectionner le papier en fonction de sa texture. Personnellement, si je veux rendre un effet doux ou un peu pastel à mes paysages, je vais prendre le papier mat Hahnemühle ultra lisse. Si je veux mettre en exergue des clairs obscurs, couleurs ou noirs et blancs, je choisirai plutôt un Canson type baryta satiné. Et encore un autre papier mat pour insister sur la texture des arbres…

C’est par le choix du papier que je vais finaliser mon intention photographique et c’est lui va porter l’émotion que je cherche à transmettre à mon public.

Plaisir tactile d’un beau tirage

Tant qu’on ne l’a pas vécu, on ignore ce plaisir sensuel de tenir entre ses doigts un beau papier Fine Art. Au toucher, on peut sentir, d’abord le grammage puis la texture.

Les papiers Fine Art sont très souvent épais, en général au-delà de 250 g/m² (à titre de comparaison une feuille d’imprimante à un grammage de 64g /m² soit 4 fois moins). Cela leur confère ainsi une grande rigidité, donnant la sensation d’avoir de la matière entre les mains. Et cela se traduira aussi par une meilleure planéité à l’encadrement.

Certains papiers ont une texture très lisse, douce au contact des doigts, d’autres sont plus « texturés ». On peut sentir leur grain ou leur relief, comme par exemple avec le papier « William Turner » d’Hahnemühle.

Quant au support Dibond®  (sandwich d’aluminium/ polyéthlène/ aluminium ), l’impression UV directe va apporter un relief là où il y a beaucoup de couleurs denses.

Ce plaisir du toucher est indépendamment de l’image elle-même, mais tout en renforçant le plaisir visuel qu’elle procure.

Plaisir de prendre son temps devant un beau tirage photo

On scrolle tous à toute allure les images que l’on voit sur écran. Même étant photographe je le fais, peut être un peu moins vite, mais j’avoue le faire. Quand on a un grand tirage entre ses mains ou devant ses yeux, on prend son temps de le regarder sous toutes “ses coutures”, et ce sans aucune fatigue visuelle. Ce qui est loin d’être négligeable. On peut en examiner les détails, ou l’amplitude des variations de gris ou des tonalités. Bref, on reprend le temps de l’observation.

Et cela provoque, en nous, un moment d’apaisement intérieur et de régénération de l’esprit. Une échappatoire au stress de la vie quotidienne.

Fierté de posséder une œuvre d ‘Art

Une fois signé, ce tirage devient une œuvre d’art. D’autant plus s ‘il est édité en série limitée et numéroté. Œuvre d’art que vous serez fier de montrer et qui souvent vous aura coûté beaucoup moins qu’un tableau.

Si le photographe ne l’a pas déjà fait, on peut le mettre en valeur avec un montage sous passe-partout, qui va lui donner de la profondeur et un joli cadre. Certains souhaitent le protéger avec un verre, avant de l’accrocher au mur. Personnellement je ne préfère pas, pour éviter les reflets et mieux admirer le papier choisi. Mais si vous y tenez vraiment, je vous conseille d’utiliser un verre anti-reflet. Attention à bien le choisir : il ne doit être que sur une seule face. Quitte à se fournir chez un miroitier plutôt que chez les grandes surfaces de bricolage. Dans mon article, »verre ou pas verre » je décris les avantages et inconvénients des 2 options.

( Si besoin, je peux vous donner les coordonnées du miroitier que j’utilise, pour les verres anti-reflet. Il suffit de me faire la demande via ce lien : Contact – Bruno Patrel Photographies (brunopatrel-photographies.com)).

Conclusion

En fait, le tirage est la vraie fin du processus de création photographique. Il est presque aussi important que la phase de développement, pour qu’une image puisse exprimer son plein potentiel. Et grâce à lui l’image devient matérielle et physique.

J’espère que cet article vous aura donné envie de voir ou d’acquérir un beau tirage d’une photographie. Quelle soit la vôtre ou celle d’un autre photographe. Vous pouvez déjà essayer avec un tirage sur papier photo classique, meilleur marché que les tirages Fine Art. Ainsi, vous aurez déjà le plaisir visuel lié à la taille de l’image et la proximité pour l’admirer, en prenant votre temps. Ce sera un premier pas.

Et si vous avez ressenti d’autres satisfactions avec un beau tirage photographique, n’hésitez pas à les partager en commentaire. cela m’intéresse beaucoup et je vous en serai fort gré.

L’article Le plaisir d’un beau tirage photo est apparu en premier sur Bruno Patrel Photographies.

J’avais déjà écrit, il y a 2 ans un article sur les « 7 raisons pour s’abonner à la newsletter d’un photographe ». Mais avec le recul, c’était finalement, un article trop général. Qui pouvait s’appliquer à n’importe quel photographe, cherchant à présenter, périodiquement, son travail

Après 26 newsletters envoyées, à la fréquence d’une par mois, soit un peu plus de 2 ans de publications, je peux désormais détailler plus ce que je crois être les spécificités de mes newsletters. Et cela, grâce aux nombreux et chaleureux commentaires reçus de mes abonnés.

Même si ce n’est pas un exercice facile. De peur de paraitre prétentieux ou sorti tout droit de la cuisse d’ un Jupiter photographe.

De l’indicible, pour un petit moment de plaisir et de sérénité,

« Que c’est agréable de se réveiller.. d’ouvrir son portable alors que l ‘on est encore couché et de découvrir tes photos…quel beau début de journée… ». Quand j’ai reçu ce message, J’avoue que j’ai été transporté de joie. Il confirmait que j’avais atteint mon objectif à travers ma newsletter : Enchanter, voire apporter un peu de bonheur, à mes abonnés .

Pourtant mais je ne cherche pas à photographier des spots spectaculaires, ni à saisir les éléments déchainés par un jour de tempête. Je photographie plutôt les scènes de mon environnement. Mais dont l’image finale va procurer beaucoup de plaisir visuel, transmettre une impression de sérénité, ou révéler des formes insolites.

J’essaie d’arriver à ce résultat, par l’utilisation, dans la composition ,de grands espaces vides propices à la contemplation. Par le choix aussi de la lumière et d’un jeu de camaïeux de couleur. Enfin, par le truchement d’un développement doux, tout en nuances ou qui au contraire met en exergue le clair-obscur.

Un jour, une de mes abonnées m’ a dit que mes photos tenaient de l ‘indicible. (Comme peut- être dans la photographie ci- dessous). J’ aime beaucoup cette expression…

Car j’avoue n’ être que très rarement, voire jamais, conscient des raisons objectives, pour lesquelles mes photographies suscitent telles ou telles émotions. Si c’était le cas, je mettrais beaucoup moins de temps à les développer ! Et souvent je suis même surpris des réactions enthousiastes de mes lecteurs.

Pour la surprise de nouveaux thèmes

Même si je me caractérise comme un photographe de paysages et de natures mortes, les champs que cela couvre sont suffisamment vastes pour pouvoir aborder de nouveaux thèmes. Ainsi, à côté de mes sujets de prédilections, (étangs au lever du jour ou les arbres, par exemple) j’aime travailler sur des séries qui sortent de l’ordinaire.

Elles peuvent présenter un regard différent, voir original, sur la scène ou le sujet photographié.

• Comme cette photographie d’un cèleri rave, en clair-obscur que j’ai intitulé « L’enfer » .

• Ou les photographies de monuments en surimpression, telle la « Résurrection de Jules Vernes »

Et elles peuvent aussi trouver un écho émotionnel inattendu chez mes abonnés. Ce fut le cas, à mon propre étonnement, quand j’ai publié mes premières photographies sur les tombes oubliées du cimetière de la Madelaine d’Amiens.

Bien sûr tous les thèmes peuvent ne pas plaire à tout le monde, mais s’abonner à ma newsletter vous permet au moins de les découvrir à coup sur.

Ce qui n’est plus le cas avec les réseaux sociaux. Dû à la profusion d’images postées et des mystères des algorithmes qui y régissent la diffusion de celles-ci en privilégiant désormais vidéos courtes et stories éphémères.

Ma newsletter est d’abord un partage

Ma newsletter n’est pas centrée du tout sur la vente de produits (tirages photos, formations, etc…). Ni sur la diffusion de publicités pour lesquelles je serais rémunéré en échange !

Bien sur, je peux, de temps en temps y proposer un des produits de la page boutique de mon site, mais c’est vraiment rare. Même si cela peut surprendre de nos jours…. Donc soyez rassurés !

Et si j’y mets des affiches d’expositions c’est uniquement celles auxquelles je peux participer. Pour information et parce le meilleur moyen d’admirer une œuvre, quelle soit une peinture, une stature ou une photographie c’est, quand on peut , de la voir en grandeur nature.

Je cherche donc avant tout à vous montrer mes réalisations. Pour partager avec en vous l’émotion que j’ai pu ressentir moi-même.

Avec le strict minium d’informations techniques. Juste les exifs (*) pour ceux ou celles qui veulent savoir quels réglages, j’ai utilisé à la prise de vue. Parfois, je reçois une demande spécifique d’un/une abonné(e) sur la manière dont j’ai développé une photographie. Je le fais, alors, mais via un e-mail séparé adressé à cette seule personne.

(*) Communément les réglages utilisés ; sensibilité, ouverture, vitesse d’exposition, type de programme, voire heure de la prise de vue.

Pour conclure

L’objectif de mes newsletters est avant tout à vous faire prendre du plaisir, périodiquement, à travers mon mon univers photographique. De susciter en vous une émotion qui vous sera peut-être propre. Mais qui vous incitera à vouloir découvrir les prochaines réalisations.

Mais je tiens à votre tranquillité ! D’où 2 principes clefs que j’ai décidé d’appliquer presque depuis le début

• Une fréquence mensuelle adoptée, et confirmée comme un bon rythme lors d’un sondage auprès de mes abonnés.
• Un nombre limité de nouvelles photographies à 6 maximum, à chaque fois, avec pas trop de texte.

J’espère, grâce à cet article, vous avoir donné l’envie d’essayer ma newsletter. Et si vous n’êtes pas satisfait par celle-ci sachez qu’il vous sera toujours possible de se désinscrire par un simple clic dans son pied de page.

Pour recevoir ma newsletter

Pour finir je vous mets 2 liens:

• celui de mon précédent article sur les 7 raisons pour s’abonner à la newsletter du photographe

• Celui d’une vidéo, très intéressante, sur ce qu’est devenu Instagram, réseau social crée à l’origine pour les photographes. https://youtu.be/0HJ0APw2mvw?si=jZMV6-pyEXGCnEsg

L’article Ma Newsletter : De l’indicible à la surprise est apparu en premier sur Bruno Patrel Photographies.

Pendant longtemps, par défaut et par facilité je le reconnais, j’en ai mis… Mais je n’étais pas entièrement satisfait en raison de 2 aspects négatifs : Le rendu final, différent et les reflets souvent présents et perturbants pour bien apprécier l’œuvre

Avec l’expérience acquise au cours des expositions, j’en suis arrivé à quelques conclusions que je vais vous partager.

1- Préambule

Une premier point qui interpelle par rapport à l’utilisation d’un verre protecteur est le fait que les peintures ( à l’huile ou acryliques) en sont toujours dépourvues ou presque. L’exception étant dans les musées, pour certaines œuvres inestimables de Grands Maitres. Et malheureusement on peut comprendre pourquoi quand on voit de plus en plus de nos jours certains actes, dits « protestataires », effectués à l’encontre de telle ou telle œuvre.

Mais dans l’extrême majorité des cas, pas de verre. Alors que la surface, par la technique choisie de l’artiste, n’est pas toujours lisse. Et peut donc faciliter l’accumulation de poussières ou de particules présentes dans l’atmosphère. Bien que le temps puisse altérer les couleurs à cause de la lumière comme certaines études scientifiques l’ont démontré.

NB : Attention je parle de peintures à l’huile ou à l’acrylique sur toile- Pour les aquarelles et pastels sur papier, la situation est tout autre : A cause du support (papier) et de La grande sensibilité des matériaux à l’l humidité.

La photographie a elle-même beaucoup évolué au niveau des techniques et des choix d’impression.

On peut avoir des tirages sur toile, comme en peinture ou des tirages sur plaque d’aluminium, type Dibond® , ou dans des caisses dites « américaines ».

Dans tous ces cas, pas de verre protecteur ! Alors pourquoi en mettre sur un tirage papier ?

2- « Pros & cons »

J’ ai donc essayé de recenser ici les avantages et inconvénients, (les « Pros & cons » comme disent les anglo-saxons) d’un verre protecteur.

2-1 Avantages

– Fournis souvent par défaut

On ne peut pas parler d’avantage mais c’est un fait. Lorsque vous achetez des cadres industriels, ils sont toujours proposés avec leur plaque de verre, voire d’acrylique. Ce qui incite implicitement à utiliser ces dernières, sans trop se poser la question du pourquoi.

– Assurer la planéité

Selon moi, c’est probablement la raison première, voire originelle : Un tirage papier n’aura jamais la rigidité d’une toile montée sur châssis, même si on trouve des papiers très épais pouvant aller jusqu’ à 350 g/m².

Inversement, les laboratoires d’impression proposent même des papiers japonais très fins (L’Unryu ne fait que 55g/m²et le Murakamo 42 g/m² !!).

Donc, sans verre protecteur, la photographie risque, avec le temps, de gondoler. Voire ses bords « rebiquer » si elle est de taille plus petite que le cadre. Et d’autant plus si le support sur lequel elle est fixée est lui-même peu rigide.

– Protection

La raison de la protection est triviale, mais il faut faire 2 remarques :

La première : ne jamais mettre le verre au contact direct avec la photographie. Sinon, c’est prendre le risque que de la condensation se mette entre les 2, lors de changements de température. Condensation qui finira par altérer le tirage (ondulations, voire dénaturation des couleurs).

La 2 ème remarque est plus une question : protéger oui mais par rapport à quoi ? Et là tout dépend de votre environnement

Dans les intérieurs de fumeurs, l’agression va être importante : jaunissement des surfaces dû à la nicotine, dépose sur l’œuvre des particules fines en suspension.

De même si vous habitez une région à fort taux d’humidité (climat tropical ou intérieur très humide en ne chauffez pas assez pendant la saison des pluies). L’humidité va détériorer l’œuvre en altérant sa planéité, voire avec le développement de moisissures à sa surface.

3 -ème possibilité : un environnement très poussiéreux, voire avec du sable en suspension. Pas besoin de dessin, bien que la poussière ne soit pas un réel risque. Il est facile d’épousseter l’œuvre. Pour le sable c’est différent car il peut rayer irrémédiablement la surface de la photographie.

Enfin dernier risque et non des moindres, les UV du soleil attaquent les couleurs. Surtout si vous exposez votre œuvre directement ou presque aux rayons du soleil. Ceux-ci vont dénaturer les couleurs avec le temps, en particulier les rouges. Et la vitesse de dégradation va dépendre du type d’impression. Une impression par jet d’encre pigmentaire résistera beaucoup plus longtemps qu’une impression argentique.

Le verre peut alors apporter une protection à condition qu’il soit traité anti-UV. Et malheureusement les fournisseurs de cadres ne donnent pas beaucoup d’information sur les verres des cadres standards. Donc il vaut mieux considérer qu’ils n’ont pas de traitement anti UV.

Dans le cas d’impression par jet d’encre pigmentaire, un autre risque est la sensibilité à l’abrasion : En effet les encres résisteront mal à un frottement d’ongle par exemple sur la surface. Si vous craignez que des personnes indélicates ou peu soigneuses maltraitent la surface de vos tirages, le verre s’avère une bonne protection.

Les nouveaux types d’impression par exemple UV sur Dibond ® ou PVC allient « permanence » et résistance à l’abrasion 

– Conclusion

Donc finalement si votre environnent n’est pas agressif, que vous preniez soin de vos tirages et que vous ne placez pas votre œuvre trop face au soleil (du matin de l’après-midi ou du soir), un verre non traité anti UV n’apportera pas tant d’avantages que cela.

2.2 Inconvénients

– Les reflets

Tous ceux ou celles qui ont une œuvre, photographique ou une aquarelle, sous verre ont fait l’amer expérience des reflets disgracieux sur celle-ci. En particulier en cas d’éclairage, artificiel, orienté vers l’œuvre.

A tel point que lors d’une exposition à laquelle j’ai participé, mes confrères photographes m’ont tout de suite conseillé de retirer les verres de mes œuvres. Mais de les mettre derrière le dos cartonné sur lequel est fixé la photographie pour assurer la planéité. Bien leur en a pris. Et maintenant je garde les verres pour le transport mais les retire quasi systématiquement avant d’accrocher mes œuvres dans une exposition.

J’ai aussi le souvenir d’avoir visité une exposition , il y a quelques dizaines d’années d’un Grand Maitre photographe Japonais. Ses photographies, en très grand format étaient exposées sans aucun verre!

Bien sûr il y a la solution des verres anti-reflets. Mais attention, car il y a différentes qualités d’anti-reflets. Tout d’abord proscrivez les verres proposés par les grandes surfaces de bricolage. L’anti-reflet est appliqué sur les 2 faces et obscurcit la photographie. Il faut privilégier un verre n’ayant qu’une seule face anti-reflet que l’on trouve chez les spécialistes d’encadrement ou verriers. Nous verrons plus bas que le nec plus ultra est d’associer le traitement anti -reflet avec un traitement anti UV.

– -La perte de rendu

Lorsqu’un verre est intercalé entre l’œuvre et le spectateur, on perd quelque chose. Ce quelque chose c’est non seulement l’intensité des couleurs mais aussi le rendu ou le « toucher » dû au papier utilisé par le photographe pour l’impression. En particulier si l’impression est sur un papier mat, et même satiné. Le verre va tendre à rendre « brillant » le tirage. On perd aussi la texture du papier qu’il soit lisse ou au contraire un peu gaufré. Or le photographe attache très souvent une grande importance au choix du papier qu’il va utiliser pour ses tirages, en particulier s’il s’agit de tirages Fine Art (ou tirages d’art).

Personnellement, selon le thème de la photographie je vais choisir différents papiers. Par exemple un papier mat ultra lisse, pour avoir une finesse de détail dans les paysages. Ou un baryté satiné, pour sublimer les couleurs de mes natures mortes. Le choix du papier va contribuer à la beauté finale de l’œuvre, tout autant que la maitrise de l’exposition, la composition ou le développement. Mettre un verre, c’est amputer, malheureusement, une partie de l’œuvre.

3- Pour conclure sur l’encadrement d’une photographie : « verre ou pas verre ? « 

Le choix final de mettre ou pas mettre un verre protecteur va donc dépendre de plusieurs facteurs :

Du degré d’agressivité de votre environnement.

De la qualité intrinsèque du papier utilisé lors du tirage.

De votre propre sensibilité à l’importance du rendu final de l’œuvre.

Et comme souvent, tout est affaire de compromis.

Mais je pencherai pour 2 attitudes :

• Soit protéger l’œuvre mais avec un verre de haute qualité, traité anti UV et anti-reflets.
• Soit retirer le verre et le mettre entre le dos cartonné et le fond du cadre pour assurer une bonne planéité, si vous utilisez un cadre industriel.

NB : Pour ceux qui sont craintifs vis-à-vis du risque d’abrasion sur les tirages en impression par jet d’encre pigmentaire, une solution peut être la pulvérisation d’un vernis spécial proposé par certains fabricants de papiers Fine Art. Personnellement je n’ai pas encore testé mais je sais que des confrères l’appliquent.

Voilà, J’espère que cet article vous a plu. N’hésitez pas à me partager votre propre expérience ou vos commentaires

Quelques sources bibliographiques pour en savoir plus

Pourquoi certains tableaux vieillissent mieux que d’autres (theconversation.com)

Protéger, sauvegarder et entretenir ses œuvres

Pourquoi les pigments rouges s’estompent-ils dans les œuvres d’art historiques?

Comprendre l’altération des couleurs des toiles par Kévin Moris (afis.org)

Pour ceux que la durée de conservation sur les tirages photographiques intéresse, je vous conseille l’article ci-dessous du laboratoire professionnel Picto : Picto Online – Picto actif dans la recherche avec l’École Nationale Supérieure Louis Lumière

Liens vers mes autres articles

Le plaisir d’un beau tirage photo

L’article Encadrement d’une photographie : Verre ou pas verre ? est apparu en premier sur Bruno Patrel Photographies.

Préambule

Comme dans mon précédant article « trépied ou pas « , je ne vais pas vous apprendre les bases des techniques photographiques. Ce n’est pas mon métier. Pour cela, je vous recommande de vous tourner vers un photographe formateur professionnel. Comme par exemple Jérôme Pallé, dont j’ai pu apprécier les qualité pédagogiques (lien vers son site à la fin de l’article). Mais bien sûr, il en existe d’autres .

Mon simple but est de vous partager mes trucs et astuces pour réaliser certaines de mes images.

Introduction

Certaines de mes photographies n’existeraient pas sans le temps passé à examiner les œuvres des Maîtres Photographes. Non seulement, pour le pur plaisir de voir de belles images mais aussi pour comprendre pourquoi elles ont un tel impact visuel et émotionnel.

Les raisons

En fait il y a plusieurs raisons qui peuvent expliquer pourquoi c’est si enrichissant de regarder les œuvres des Maîtres Photographes. Ce n’ est pas d’ailleurs l’apanage de la photographie. C’est vrai aussi dans d’autres arts comme la peinture et j’imagine la sculpture ou la musique.

• Pouvoir admirer de belles photographies
• Découvrir l’ époque et l’ environnement de ces photographe, à travers leurs images
• Apprendre d’eux (composition, thèmes photographiques…) via l’examen attentif de leurs œuvres
• Se régénérer soi -même, i.e. trouver de nouvelles sources d’inspiration.
• Enfin comprendre pourquoi ses propres images ne rendent pas aussi bien qu’on le souhaiterait Et ce qu’il faudra faire lors des prochaines sorties photo.

Exemples

C’est ainsi que j’ai découvert un jour que Sebastião Salgado n’hésitait pas à placer parfois au centre de ses images l’élément principal. Alors qu’on entend si souvent, en particulier lorsqu’on débute,  » Appliquez la règle des tiers » (Les éléments forts doivent être placés sur des lignes horizontales ou verticales, situées au tiers de l’ image, voire à l’intersection de ces lignes).

Et surtout pourquoi ça marchait chez lui et si rarement dans nos propres images…

La photographie qui illustre cet article est un autre exemple- Je l’avais prise lors d’une randonnée en Bretagne autour de Paimpont dans un site remarquable. J’avais soigneusement composé mon image et utilisé la technique HDR pour éviter une image trop contrastée. Mais le résultat ne me convenait pas totalement.

Plongé un soir dans le livre « Ici au loin « de Pentti Sammallahti, photographe finlandais, m’ est venue l’idée de « revisiter « certaines de mes photographies, cette fois en Noir et Blanc. Alors que je photographie plutôt en couleur. Et le résultat pour celle-ci m’a enfin plu.

Idem pour celle ci-dessous, intitulée « Au bonheur des arbres têtards« . En couleur, elle ne passait pas due aux vêtements des personnages qui, bien que petits, tranchaient trop avec la végétation. De même que le ciel.

Méthodologie

Pour revenir aux photographies des Maitres photographes, je suis une méthodologie bien précise pour les regarder. Méthodologie, qui a été développée par David Duchemin, photographe Canadien, dans ses formations sur comment rendre une image plus impactante.

Elle repose sur les examen des items suivants

1. Format de l’image choisi par le photographe ( 3:2 , carré , 16: 9 etc…). Elle n ‘est pas due au hasard ou à la contrainte du format du capteur. Mais résulte d’un choix conscient de sa part par rapport à la scène.
2. Les lignes et les formes qui vont structurer l’image
3. Les éléments de l’image et leurs relations entre eux
4. Le positionnement du photographe dans le temps et l’espace. En particulier sa distance vs au sujet et le type de focale utilisé (grand angle, téléobjectif, par exemple)
5. Les lumières et les ombres
6. le jeu des contrastes, qu’ils soient conceptuels ou visuels
7. Les couleurs présentes dans l’image (ou le choix du N&B)
8. Le choix du moment au niveau action et composition de l’ image ( le fameux moment décisif d’Henri Cartier-Bresson en reportage de rue)
9. L’équilibre (ou déséquilibre volontaire) des masses visuelles (selon le principe que plus une masse est lumineuse, moins sa taille nécessite d’être importante pour attirer l’œil du lecteur).

Je l »utilise pour commenter de temps à autre une photo d’un Maître photographe dans nos séances de coaching du Club Photo en ligne, organisées par Jérôme Pallé.

Mais également sur mes propres réalisations, pour prendre du recul et faire une analyse un peu plus objective.

(Si tu souhaites voir un exemple concret sur comment je l’applique tu peux demander le PDF : « Exemple d’une photographie commentée/ « Au bonheur des arbres têtards » en remplissant le petit formulaire, placé tout à la fin- C’est gratuit !).

Mais, vous l’ avez compris, le but ultime, derrière, est d’apprendre à appliquer soi-même ces items lors des prises de vues ! Via la mise en pratique, l’entrainement , parfois spécifique , mais répété et régulier. Désormais, même si je ne passe pas systématiquement en revue tous les critères dans ma tête, il y en a toujours quelques-uns auxquels je vais songer, selon la scène, quand je cadre.

En conclusion

Apprendre des Maîtres photographes, en examinant, voire en décortiquant, certaines de leurs œuvres est donc devenu pour moi un processus obligatoire, enrichissant et régénérant. Enrichissant non seulement pour ma culture photographique, mais aussi pour améliorer ma propre technique. Et régénérant quand je suis en perte d’inspiration.

Je leur en suis infiniment reconnaissant.

Bruno Patrel

Liens et références bibliographiques

Jérôme Pallé – formation-photographe.net/

Workshops + Adventures (davidduchemin.com)

Trépied ou pas trépied ? – Bruno Patrel Photographies

« Ici au Loin », Pentti Sammallahti, éditions Actes Sud

Pour recevoir le PDF « Exemple d’une photographie commentée/ »Au bonheur des arbres têtards » :

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Préambule 

L’objectif de cette série d’articles n’est pas de vous former à la photographie- Pour cela il existe de très bons photographes formateurs. Je vous en cite un d’ailleurs en référence en bas de l’article, qui m’a beaucoup appris.

Mais c’est de partager avec vous certains trucs ou astuces que j’utilise dans mon domaine de prédilection : la photographie de paysage.

Introduction

Du temps de l’argentique, qui disait photographie de paysage disait utilisation d’un trépied. Les petites ouvertures et les films de faible sensibilité (100 Iso ou moins) utilisés pour avoir une belle profondeur de champ et pas de grain, conduisaient à choisir des vitesses lentes si la lumière était faible. Le trépied devenait vite indispensable pour éviter le flou de bouger.

Mais les boîtiers numériques modernes ont une grande capacité à monter dans les ISO, sans générer beaucoup de bruit numérique. De plus ils ont un système de stabilisation intégrée, quand celui-ci n’est pas déjà dans l’objectif. On peut donc utiliser des vitesses bien supérieures, à condition de lumière égale, que dans le passé. Par ailleurs on peut aussi considérablement réduire le bruit (grain) en post traitement.

Donc en ce qui me concerne, je le prends, tout le temps quand je pars en sortie photo. Mais ne l’utilise pas toujours !

Conditions où je l’utilise

J’aime le côté posé que le trépied procure pour composer son image. Cela aide à l’observation, à la contemplation des lieux et à la prise de recul. Et il est très utile quand :

• La composition est un peu « sioux », par exemple où les lignes verticales et horizontales doivent être bien parallèles aux bords de l’image. Ou s’il faut faire très attention pour intégrer ou exclure des éléments.
• Je passe en pose longue pour créer un effet vaporeux sur un plan d’eau ou montrer le mouvement de l’eau dans une rivière.
• La lumière ou certains éléments de la scène vont évoluer lentement. Et je veux multiplier les prises sans changer la composition pour garder à la fin l’image qui rendra le mieux. C’est le cas de la photographie en en-tête de cet article.
• Je crée un panoramique destiné à de très grands formats (100cm de largeur ou plus)
• Je fais du HDR (high dynamique range) pour contrer de trop grands écarts de luminosité dans la scène : On prend plusieurs fois la même photo mais avec des réglages d’exposition différents (entre -3 et +3, voire -5 et 5, IL) et on fusionne en post traitement.

Petite remarque ; lorsqu’on shoote sur trépied, il est conseillé de désactiver les systèmes de stabilisation (boîtier et /ou objectif). Mais pour être franc, je l’oublie souvent et n’ai pas constaté de perte de netteté.

Exemple d’une prise de vue sur trépied : Au lever du soleil, ISO 100, f11, 1/5 sec -70mm-panoramique de 5 images

Conditions où je ne l’utilise pas

Mais installer un trépied et cadrer avec, prend beaucoup de temps. Et pour le trépied en photographie de paysage une condition sine qua none est que la lumière soit stable pendant quelques minutes ou évolue « lentement ».  Ce qui sous-entend déjà une météo stable !

Dès qu’il faut saisir la brève éclaircie d’une matinée de pluie, ou le rayon de soleil qui tombe pile sur le sujet principal, alors là adieu le trépied. Et il faut bien le dire, dans les Hauts de France, on est très souvent en train de jongler avec des lumières fugaces, qui jouent à cache-cache avec les nuages.

Et je me suis vite rendu compte qu’il est souvent illusoire d’espérer que la lumière revienne exactement comme elle l’était quelques minutes avant.

Ainsi, souvent le trépied reste accroché au sac photo, pendant que je shoote à main levée….

D’où la nécessité de savoir régler vite son appareil en fonction du rendu souhaité (dont entre autres, la mesure d’exposition). Et de faire confiance en sa capacité à cadrer juste du premier regard ou presque. Tout cela s’acquiert par la pratique régulière et l’entrainement, afin d’acquérir ces fameux automatismes.

Mais pour le HDR ?  Me direz vous. Eh bien, on peut y arriver sans trépied. En prenant quelques précautions que je vous partage.

HDR à main levée

• Tout d’abord je règle mon appareil en mode rafale (avec 3 ou 5 images selon le nombre d’expositions différentes que je prévois de faire en bracketing. Mais le plus souvent 3 suffisent).
• Je vérifie aussi que les systèmes de stabilisation (boîtier et/ou objectif) sont bien activés
• Je choisis une vitesse d’exposition, par sécurité, au moins égale à l’inverse de la focale (par ex 1/60 sec pour un 50 mm).
• Comme sur trépied, Je sélectionne la fonction bracketing. En programmant 3 prises de vue, le plus souvent et un écart d’exposition entre 2 vues de IL. Cela convient très bien, par rapport à la plage dynamique de mon capteur).
• Puis je me cale bien, cadre en tenant mes bras serrés contre le buste pour éviter de bouger entre 2 prises.

Exemple d’une prise de vue à main levée ; cet après-midi le ciel était en train de se couvrir, Mais les nuages soudain se sont mis à réfléchir la lumière sur les arbres bordant cet étang. Il fallait faire vite. Ça n’a pas duré très longtemps. ISO 100- 70m- f9-1/100sec

En conclusion

Pas de règle absolue. L’utilisation du trépied va dépendre des conditions de lumières, de la vitesse d’exposition et du temps dont je dispose pour capter l’instant et cette fameuse lumière.

Mais, compte tenu des avantages procurés par le trépied en photographie de paysages, ne pas l’utiliser doit répondre à une vraie raison « photographique ». La facilité ou la « flemme », qui conduisent parfois à ne pas le sortir, sont rarement de bonnes conseillères…

Liens

• Jérome Pallé, photographe- formateur : formation-photographe.net
• Ma galerie de photographies de paysages :  Ma Galerie – Bruno Patrel Photographies

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• Notre temps passé
• Nos prix de revient
• Notre savoir faire
• Originalité et rareté
• Notre (éventuelle) Renommée
• Votre envie

1- Notre temps passé

Que diriez vous si vous travailliez plusieurs heures pour votre patron et qu’il ne vous rémunère pas ?

Contrairement aux apparences, produire une photographie ne se résume pas à cadrer en quelques secondes puis appuyer sur un déclencheur. Vous seriez surpris du temps passé derrière chaque photographie que nous proposons

• Temps à préparer la séance d’un shooting ou à repérer les lieux avant le jour de la prise de vue.
• Temps à capter l’instant ; les photographes animaliers passent des heures à attendre l’animal, puis pour que celui-ci prenne la bonne posture. Pour les mariages, les photographes (pro) suivent les mariés toute la journée…Les photographes de nouveau-né réalisent des séances qui durent plusieurs heures car il faut endormir bébé pour le positionner parfaitement.
• Puis temps à enregistrer, sauvegarder, sélectionner les photos après la séquence de prise de vue.
• Enfin, temps à développer une image. Il y a quelques décennies à peine, c’était dans la chambre noire, aujourd’hui c’est sur ordinateur. Mais le temps n’a pas changé. Personnellement je peux y passer plusieurs heures, pour arriver à l’image finale que je veux. Plusieurs heures, oui !

2- Nos Prix de revient

Qu’il y a-t-il derrière un prix de vente ? la fameuse équation : Prix de vente = prix de revient + marge.

La marge c’est ce qui permet de vivre plus ou moins décemment (se nourrir, s’habiller, se loger, etc). Et à de très rares exceptions, les photographes professionnels ne roulent pas sur l’or……

Le prix de revient c’est la somme de tous nos frais et qui se répartissent de la manière suivante :

• Amortissement du matériel ; qui coûte cher, qui s’use et dont on doit prévoir le remplacement tôt ou tard
• Les frais de fonctionnement :
  • Consommables (encre, papier, pour des tirages par exemple, matériel d’encadrement),
  • Les logiciels de développement et retouche photos.
  • Les accessoires nécessaires pour les séances.
  • L’électricité,
  • Les assurances

• Les frais de déplacement si on doit réaliser un shooting quelque part pour un client.
• Sous-traitance éventuelle (par exemple si on utilise un labo professionnel pour nos tirages)
• Des frais annexes ; comme les frais de livraison quand ceux-ci vous sont offerts.
• Et enfin et surtout nos charges
  • Loyer d’un studio ou remboursement du prêt immobilier qui a permis son acquisition.
  • L’URSAFF car en tant que professionnel, on doit se déclarer. Et on paie un % de notre chiffre d’affaires ou sur nos revenus à L’URSAFF (selon le statut sous lequel on s’est enregistré).
  • Impôts sur le revenu, taxe d’habitation pour le studio
  • La TVA.

Sous peine de perdre plus qu’il ne gagnerait, ces frais vont donc se retrouver dans le prix des prestations proposées par le photographe professionnel.

3- Notre savoir-faire de professionnel

Il est si facile de prendre un cliché avec un smartphone de nos jours que l’on oublie qu’être photographe cela ne s’improvise pas. Etre photographe ce n’est pas réussir de temps en temps de belles images. C’est revenir systématiquement d’une sortie, d’un reportage ou d’un shooting avec de belles images, quels que soit notre humeur du jour ou les tracasseries éventuelles que nous aurions en tête.

Pourquoi ? parce que nous avons appris notre métier ; nous nous sommes formés à savoir bien exposer, bien composer, bien régler les lumières artificielles, bien diriger un modèle, selon notre spécialité. Formations qui ont aussi un coût d’ailleurs.

Et nous pratiquons beaucoup. Afin, non seulement d’acquérir les bons réflexes, d’avoir une maîtrise technique si fluide qu’elle en devient « naturelle ». Mais aussi pour tester de nouvelles techniques, découvrir de nouveaux champs photographiques et développer notre « œil ».

4- Originalité, rareté

Nous sommes des artisans, c’est-à-dire que nous ne produisons pas en quantité industrielle, dans des usines d’Extrême-Orient  ou ailleurs, en exploitant une main d’œuvre locale.

Ce qui a plusieurs conséquences ; d’une part cela garantit une originalité à notre travail.  Chaque photographe a sa propre vision, son propre style et donc vous délivrera un produit différent de son confrère. D’autre part, dans le cas d’un tirage photographique sous l’appellation « tirage d’Art « ou « tirage Fine Art », le nombre est limité : 30 exemplaires maximum. C’est régi par le droit fiscal sur les œuvres d’Art. Qui dit rare dit forcément  plus cher, puisque tous les coûts du prix de revient se répartissent sur un plus faible nombre d’exemplaires.

5- Renommée

Enfin, peut aussi entrer le facteur renommée du photographe, même si cela ne concerne que peu d’entre nous. Mais plus un artiste est connu, plus il est cher : regardez ce qui se passe dans le monde du cinéma ou du sport de haut niveau….

6- Votre envie

Vous achetez ou souhaitez acheter nos prestations (shooting , reportage, tirages photographiques, formations etc …) car vous les aimez. Elles correspondent à une envie et non à un besoin de première nécessité. Envie de vous faire plaisir ou envie de faire plaisir à quelqu’un de votre entourage.

Cela ne justifie pas un prix en soi, mais n’oubliez pas cela : On vous apporte du plaisir, voir une réponse à vos besoins.

Conclusion

Pour conclure sur les raisons des prix des prestations par un photographe professionnel, souvenez vous de ces raisons : Le temps que nous avons consacré afin de vous  donner satisfaction. Tout ce qui rentre dans nos prix de revient. Notre   compétence et notre savoir-faire acquise pas à pas. L’originalité de notre regard et la rareté de nos produits. Et votre propre envie de faire plaisir.

Vous pouvez, et nous vous encourageons même à comparer le prix proposé par plusieurs photographes professionnels. La concurrence existe aussi chez nous. Cela vous aidera à avoir une idée du « prix du Marché ». Et si vous trouvez un photographe qui propose un prix beaucoup plus bas , vérifiez d’abord que c’est un professionnel (il doit avoir un numéro de Siret).

Sinon vous risquez d’avoir affaire à un amateur qui fait de la concurrence déloyale. Ce qui est un abus de droit selon l’article 1240 du code civil. Et qui ne vous apportera pas les mêmes garanties, voire la même qualité de prestation.

Bien sûr nous comprenons tout à fait que vous ne puissiez pas ou ne vouliez pas mettre un tel prix. Simplement nous souhaitons vous avoir expliqué en quoi il n’est pas usurpé.

Au plaisir de travailler peut etre un jour, pour vous.  

Cet article a été corédigé par

La photographie en tête de cet article a été réalisée par Vanessa Rottenberg Voarino, dans son studio.

L’article 6 raisons pourquoi une prestation d’un photographe « pro » parait chère est apparu en premier sur Bruno Patrel Photographies.

Et j’ai eu donc envie de les partager avec vous.

Première raison : Etre plus et mieux informés par rapport son propre besoin

C’est la raison la plus évidente.

Si vous vous êtes abonnés c’est que le photographe d’abord vous apporte quelque chose. Cela peut être une solution à une de vos problématiques ou une émotion positive.

La newsletter est alors un moyen de communication et d’information auprès des abonnés beaucoup plus riche et varié. On peut ainsi être mieux tenu au courant des nouveautés que propose le photographe :

En ce qui me concerne il s’agit principalement des nouvelles photographies, de nouveaux articles de sur mon blog et d’évènements auxquels je participe (expositions, concours, etc….).

Mais aussi celle-ci peut apporter des opportunités imprévues :Par exemple découvrir certains des confrères de l’auteur, que ce dernier va citer parce qu’il a eu un coup de cœur. Et qu’il a eu envie de le partager avec ses lecteurs.

2- Mieux connaitre le photographe et son œuvre

A travers une newsletter un photographe peut plus facilement communiquer sur son travail (œuvre, produits, etc..).

Pour commencer, il n’est pas soumis aux algorithmes obscurs des réseaux sociaux qui régentent la mise en avant des publications. Ensuite sur les réseaux sociaux, on y est vite catalogué dans un moule : dès que l’on publie une photographie qui sort de ses thèmes habituels, on perd des « followers ». J’e ‘en ai fait personnellement l’expérience quand j’ai commencé un jour de publier des natures mortes, alors que je publiais jusqu’alors des paysages.

Autre contrainte à la créativité, Instagram privilégie plutôt le format carré… Et les panoramiques ou les photos verticales y sont difficilement mises en valeur. Je connais un photographe franco écossais qui fait de superbes photographies de paysages. Mais sur Instagram, ses photos perdent énormément de leur impact visuel. Surtout si en plus, vous les regardez sur un smartphone dont la taille d’écran est réduite. Et essayer de faire une rotation sur Insta, pour occuper une plus grande surface de l’écran ! Ca ne marche pas !!

Sans raconter sa vie, il va aussi parler un peu plus de sa démarche de photographe , ce qui le motive , ce qui l’ a amené à privilégier tel ou tel style ou thèmes photographiques.

Personnellement j’ ai décidé de faire les distinctions suivantes:

• Poster sur les réseaux sociaux , plutôt les photographies qui vont illustrer un évènement ( nouvelle expo, nouvelle série de photographie sur mon site web, …).
• Sur mon site les photographies qui rentrent dans le cadre d’une série existante ou pour présenter une nouvelle série déjà bien avancée.
• Dans ma newsletter les 4 à 6 photographies que j’ai sélectionné sur la dernière période. ( Quelles rentrent ou pas dans une série de mon site web.).

Au final, via ma newsletter, vous serez informez de plus de photographies et aurez l’impression de mieux me connaitre et avoir un lien beaucoup plus fort.

3- Reprendre la maitrise de son temps !

En cette époque frénétique, pouvoir reprendre la main sur sa gestion du temps est un avantage non négligeable. En particulier mieux contrôler le flux d’alertes qui vous « tombent dessus ». Avec une newsletter périodique, plus besoin de mettre des notifications sur les personnes que vous voulez suivre – Notifications qui deviennent vite infernales et qui arrivent à tout bout de champ, même quand on n’est pas disponible. Elles finissent même par nous déconcentrer par rapport à notre activité en cours. On les efface donc à toute vitesse et on rate en final les post sur lesquels elles étaient censées attirer notre attention.

Tandis que lorsqu’une newsletter arrive dans votre boite mail, vous pourrez la lire à tête reposée, quand bon vous semble (le week-end par exemple) et à votre rythme.

4- Pouvoir mieux observer les photographies

Cette reprise de maîtrise du temps joue également sur la manière dont on va regarder les photographies.

Sur Insta ou Facebook, on tombe vite dans le piège de scroller à toute vitesse, poussé par les publications qui suivent. Alors que dans une newsletter, sachant le nombre limité vous pouvez consacrer plus de temps à celles qui vous plaisent. Vous pouvez aussi les regarder en orientation paysage de votre smartphone pour optimiser la surface disponible ou les agrandir pour examiner un détail.

Vous découvrirez leurs histoires, comment elles sont nées, éventuellement quelles techniques le photographe a utilisées ou quelle intention il a eue lors de la prise de vue.

5- Partager plus efficacement

Bien sur on peut très facilement partager un post sur les réseaux sociaux. Ils adorent d’ailleurs ça ! Mais comment le fait-on? on clique sur  » partager », parfois on ajoute un petit commentaire de quelques mots et c’est tout. Bref partage qui va vite s’oublier.

Lorsqu’on partage une newsletter par mail, on va être un plus explicite sur les raisons qui nous ont amenés à le faire. Pourquoi on apprécie le /la photographe, ou pourquoi il/elle pourrait intéresser le destinataire (ses événements, son œuvre, ses techniques , les produits qu’il /elle propose, etc… ). L’action sera moins spontanée, plus réfléchie, rendant son impact plus fort.

6- Vous conservez votre liberté et gagnez en privilèges

Vous n’êtes pas pieds et poings liés à l’auteur des newsletters. Vous pouvez à tout moment vous désengager soit via un click soit par une simple demande rapide par mail, si vous n’êtes plus intéressés. Il ne va pas non plus vous spammer. En général il précise sa fréquence de publication avant l’abonnement. De plus, il est très conscient du risque de perdre très vite ses abonnés en envoyant trop de mails.

Il va même plutôt essayer de vous choyer ! En vous faisant profiter de privilèges ; invitation à des évènements, tarifs promotionnels, cadeaux lors de l’ inscription, etc.…. Bref, montrer, à juste titre, que vous êtes importants pour lui.

7- l’abonnement engage le photographe envers vous

Peut-être que cela vous surprendra. Mais vous avez fait l’honneur au photographe de vous abonner, il est donc redevable envers vous.

Et donc il se soit de respecter ses engagements. En particulier, mais pas seulement, sur la qualité du contenu ou de ce qu’il a promis dans son invitation. (Il est beaucoup plus facile de perdre un abonné déçu que d’en trouver de nouveaux).

Personnellement je m’engage à :

• Essayer de vous aidez à oublier, pendent quelques minutes, le monde perturbé dans lequel nous vivons et cette époque si stressante, en vous montrant des photographies artistiques ou poétiques.
• Respecter la fréquence que j ‘ai défini : 1 par mois (sauf rares exceptions, comme, par exemple, pour une invitation à un évènement, type exposition).
• Me limiter à 6 photographies maximum pour éviter de vous saturer.
• Et bien évidemment de garder confidentiel les données que vous m’avez confiées lors de votre inscription.

Conclusion sur les 7 raisons pour s’abonner à la newsletter d’un photographe

Il y a probablement d’autres avantages de suivre un /une photographe à travers ses newsletters, et n’hésitez pas à me partager d’autres raisons que vous trouveriez. Mais j’espère déjà que ces 7 raisons pour s’abonner à la newsletter d’un photographe vous auront convaincu de sauter le pas. Ou pour le moins, vous auront rassuré

.

Vous pouvez découvrir mes photographies et autres articles de blog sur le site : https://brunopatrel-photographies.com

Et si mes publications répondent à votre attente, alors allez-y, abonnez- vous ! 😉

( C’est gratuit ! Et il est possible de résilier l’abonnement à tout moment.)

L’article 7 raisons pour s’abonner à la newsletter du photographe est apparu en premier sur Bruno Patrel Photographies.

Pour renforcer cette simplicité on utilise souvent des matériaux « froids » comme le métal, le verre, le plastique. Le bois, quand il est présent, est plutôt de couleur claire et surtout très sobre, non sculpté.

De même au niveau du choix des couleurs on trouve souvent des jeux de contrastes marqués entre les éléments. C’est-à-dire, entre ceux de petite taille aux couleurs fortes (rouge, jaune, orange, vert, bleu vif, etc…) et ceux de grande taille qui auront des couleurs basiques (bleu, marine ou moyen, marron, gris, sable, blanc).

Au passage, je vous rappelle la recommandation de limiter le nombre de couleurs à 3 et d’avoir une proportion 1/4-3/4 , en surface , entre les couleurs fortes et les couleurs basiques.

Pas le temps de lire en entier cet article ? Vous pouvez le demander en format PDF afin de pourvoir le lire plus tard via le formulaire ci dessous:

Pour bien s’intégrer dans ce style de décoration, les photographies devront reprendre ces concepts de simplicité. Que ce soit au niveau du thème, de la composition et le choix des couleurs.

Les thèmes pourront être assez variés. Des portraits dépouillés au cadrage serré- Des photographies de rue au message puissant. Ou encore, des photographies d’architecture ou abstraites.

La composition sera minimaliste ou avec un graphisme marqué, voire en combinant les deux.

Quant aux couleurs , si le noir & blanc ou les monochromes sont à privilégier, on peut aussi jouer avec les contrastes entre 2 couleurs fortes

Quelques exemples de photographies

La première à gauche, que j’ai intitulé « Orgues dorées », a été prise sur une façade d’un bâtiment moderne à Lille. Prise de loin, au téléobjectif, les perspectives ont ainsi été écrasées et le cadrage se restreint à la juxtaposition des verticales et des diagonales. La présence d’une seule dominante de teinte renforce le côté graphique.

Pour la deuxième à droite, j’ai aussi utilisé un téléobjectif, pour n’avoir dans le cadre que ces fenêtres et un tout petit peu de la façade. Au niveau graphique il n’y a que des rectangles, des lignes verticales et des horizontales. L’aspect cuivré de la façade et les fenêtres pourront renforcer la présence de métal ou de verre d’un intérieur. Les couleurs se limitent à des camaïeux d’orange et de turquoise dont le contraste fort est dû à leur opposition sur le cercle chromatique. D’où le nom donné à cette image « Cuivre et Turquoise »

Attention cependant à ce qu’il n’y ait pas déjà d’autres couleurs fortes dans la pièce prévue pour y accrocher une photographie de ce type. Par contre, si la photographie rappelle des couleurs déjà présentes, cela accentuera l’harmonie de la pièce

Les images avec de fortes perspectives ou des lignes fuyantes marquées peuvent très bien aussi s’y prêter tant que la composition reste minimaliste.

Cette éolienne que j’ai prise de très près, en contre plongée se limite à 2 lignes (une diagonale et une verticale) et un rectangle. Le Noir & Blanc renforce également le graphisme. Il présente aussi l’avantage de ne pas risquer des contrastes disgracieux de couleurs avec un intérieur.

D’autres thèmes sont possibles. Dans un autre article, j’explique comment certaines photographies de « formes insolites, peuvent aller aussi avec une décoration moderne «  (Sur vos murs, des  photographies de formes insolites .  

Cas des photographies de paysages

Pour ceux qui aiment les paysages, je serai plus circonspect.

Je recommanderai soit une photographie en Noir et Blanc soit une dont la composition est très évanescente et plutôt aux tons pastel (sous réserve qu’ils s’associent avec le reste de votre décoration). Elles peuvent alors même « réchauffer » l’atmosphère de la pièce

Comme celle-ci dont la composition reste minimaliste.

Une autre possibilité réside dans les photographies rendues abstraites. Par exemple, grâce à la technique de prise de vue avec flou de bougé volontaire. Comme le pratique, avec réussite, Emmanuel Munier, un photographe de Bretagne. Pour l’illustrer, j’ai choisi ci-dessous une de ses œuvres ,dénommée « L’eau et le vent » :

De multiples autres exemples de thèmes auraient pu être présenté. L’important étant de garder en tête des principes de simplicité, de minimalisme ou de graphisme dans la composition.

Si cet article vous a plu ou si vous avez des remarques, n’hésitez pas à mettre des commentaires. Ils me sont toujours très utiles.

Nota bene

• A l’exception de « L’eau et le vent » toutes les photos de cet article sont issues de la galerie de mon site web  https://brunopatrel-photographies.com. Et certaines sont en vente sur la boutique du même site.

• Vous pouvez découvrir les photos abstraites d’Emmanuel Munier via son site, accessible par ce lien : PHOTOGRAPHIES DE BRETAGNE – Manu Munier Photographie

• Mes autres articles autour du thème photographies et décoration :

Sur vos murs, des photographies de formes insolites

Comment bien choisir une photographie pour sa décoration

Osez une photographie de paysage dans votre Décoration-1

Osez la photographie de paysage dans votre décoration-2

Pour recevoir cet article en PDF

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Un moyen pour rendre sa décoration murale plus originale, et qui interpellera encore plus ses visiteurs, est d’accrocher une photographie où les formes, les textures, suscitent leur imagination.

C’est ce que j’appelle les « formes insolites ».

L’effet est encore plus efficace quand le sujet fait penser à un animal ou à un être humain (voire aux objets qu’il a coutume d’utiliser)

Le tronc ou les branches d’arbres se prêtent assez bien à ce jeu. Personnellement j’aime arpenter tous les lieux où ils peuvent pousser afin de pouvoir en dénicher un qui aura frappera par sa ressemblance manifeste ou qui stimulera notre imagination. Dans cette photographie choisie pour illustrer l’article, j’ai d’abord vu, une peinture ou une planche de bande dessinée, Mais en réalité c’était inconsciemment une hydre menaçante descendant inexorablement vers nous qui s’était imprimé sur ma rétine……

Une autre fois ce fut une immense moisissure ressemblant à une draperie ou à un rideau ancien, dans une fontaine asséchée, qui m’a sauté aux yeux en 2021. La photographie « Draperie d’Hunawhir », qui en a résulté, figure désormais dans la Galerie de mon site web ( brunopatrel-photographies.com ).

L’intérêt des photographies de formes insolites pour votre décoration

Le premier argument en faveur de l’utilisation de ce genre de photographies est leur originalité : loin des sentiers battus, loin des paysages « cartes postales « ou autres thèmes à la mode, etc…La réelle difficulté à trouver puis à photographier avec succès des formes insolites accentue la rareté des œuvres et donc cette originalité. En contrepartie, on doit s’attendre à ce que l’œuvre soit plutôt clivante : « on aime ou on n’aime pas ». Selon que l’on partage ou pas l’image mentale que le photographe a vu dans le sujet.

Si on aime la photographie exposée, on aura le sentiment à la fois d’exprimer sa propre personnalité et d’entrer comme en résonance avec le photographe qui aura su capter et transcrire la dite-forme.

Autre avantage, on aura plus facilement le sentiment d’avoir une œuvre d’Art accrochée sur son mur. D’autant plus si elle est tirée sur un papier de qualité (tirage Fine Art) et en série limitée.

Pour savoir les critères auxquels une photographie doit répondre pour pouvoir être considérée comme une œuvre d’Art je vous renvoie à mon article Osez la photographie de paysage dans votre décoration-2

Leur place en fonction du style de décoration

Par leur côté souvent abstrait, ce genre de photographies ira alors tres bien dans une décoration contemporaine. Je vous renvoie également à un article précédent (Comment bien choisir une photographie pour sa décoration ), qui traite entre autres des différents thèmes photographiques en fonction du style de décoration.

Son contraste avec un ameublement aux lignes sobres captera le regard de vos invités.

On privilégiera alors les pièces de convivialité (par exemple, les salons) mais elles peuvent aussi très bien s’intégrer dans une chambre d’adulte.

Complexité photographique des formes insolites

Même si cela ne sera jamais un argument en soi pour accrocher sur vos murs une photographie de formes insolites, peut-être vous interrogez vous sur la difficulté de les réussir.

Tout d’abord, réaliser une très belle photographie n’est jamais facile, même si la numérisation et le développement des smartphones tendent à faire croire, à tort, le contraire.

Mais la photographie de formes insolites accentue la complexité :

Il faut trouver le sujet, puis souvent tourner longtemps autour, pour trouver le bon angle qui mettra le mieux en évidence sa forme par rapport à la ressemblance qu’on a visualisée.

En termes de composition à la prise de vue, le sujet doit être le seul ou bien le principal élément de la photographie et le nombre de couleurs dominantes doit aussi rester limité.

Enfin, la maîtrise du post traitement devient cruciale pour mettre en exergue l’imaginaire transmis par le sujet. En plus des techniques habituelles à tout développement que ce soit dans Lightroom, Photoshop ou autres, on doit particulièrement travailler les textures et les contrastes. 

Qualité du support pour les photographies de formes insolites

Quel que soit le support utilisé, celui -ci devra être de qualité. Personnellement j’ aime bien les tirages Fine Art sur un papier épais pur coton. Je choisis ceux qui ont un peu de texture granuleuse afin de donner du relief à la matière du sujet photographié. De préférence mat ou à la rigueur satiné afin d’éviter les reflets ou un effet « plastique ». Mais c’est une affaire de goût, l’important est que votre support mette en exergue l’œuvre.

Conclusion

Une photographie de formes insolites vous assurera à coup sûr de l’originalité et suscitera la curiosité de vos invités ou clients. Tirée sur un beau support elle sera propice à devenir une œuvre d ‘art à art entière, apportant un plus à votre décoration.

J’espère que cet article vous aura intéressé . Voire qu’il aura suscité l’envie de saisir des formes insolites à travers votre objectif ou d’acquérir une photographie sur ce thème pour votre décoration intérieure.

N’hésitez pas à me faire part des formes insolites que vous auriez pu découvrir dans la nature. C ‘est toujours intéressant de voir ce que les autres perçoivent et qu’on aurait peut- être pas vu soi-même.

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