Ah le plaisir de tenir entre ses mains un beau tirage photo, surtout s’il est de bonnes dimensions, format A3 (42*29,7 cm) ou plus, sur un papier Fine Art… A chaque fois que j’en reçois un de mon prestataire d‘impression, je ressens la même sensation.

De nos jours on regarde principalement les photographies sur écran. Mais si on gagne en vitesse et en argent, on y perd beaucoup en satisfaction, que ce soit en termes de plaisir, de compréhension de l’œuvre, ou de fierté.

Beaucoup de photographes vantent les mérites d’imprimer ses images, pour mieux les analyser, voire les améliorer ensuite ou les écarter. Mais j’ai envie, dans cet article de vous expliquer les raisons pour lesquelles j’éprouve, en tant que visiteur/client du plaisir à voir ou tenir entre mes doigts un beau tirage.

Pour les plaisirs visuel, tactile et celui de reprendre la maitrise de mon temps, que cela procure

Plaisir visuel d’un beau tirage

1-    Grâce à la taille

Un smartphone a un écran qui peut aller jusqu’ à 6-7 pouces soit au mieux 17 cm de diagonale, une tablette jusqu’ à 11 pouces (25 cm de diamètre). Les écrans d’ordinateur de bureau de 21 pouces font 53 cm de diagonale, l’équivalent d’une feuille A3. Un tirage 60*40 aura lui 72 cm de diagonale. Sur ces derniers l’œuvre va donc mieux rendre et on pourra plus facilement observer ses détails. C’est comme regarder un film au cinéma sur grand écran, par rapport à le voir sur sa télévision.

2- Par immersion dans l’œuvre

Outre la différence due à la taille de l’œuvre, sur un tirage, on peut aussi admirer celle-ci de très près, à quelques cm seulement de ses yeux, sans se les abimer. Et on peut aussi reculer pour avoir une meilleure vision d’ensemble.

Cet aller -retour entre vision d’ensemble et vision très proche va permettre une meilleure immersion dans l’œuvre. Et une meilleure compréhension de ce que le photographe a voulu transmettre. En particulier si c’est une émotion, ou une signification, indicible, qu’on ne percevra peut-être pas en scrollant trop vite l’image sur un écran.

3- Grâce au rendu

Ça rend encore mieux que sur écran !  C’est le genre de commentaires que j’ai parfois d’organisateurs d’expositions ou de clients devant mes tirages.

Plusieurs raisons à cela :

Tout d’abord, tous les écrans ne sont pas calibrés, loin de là. Et donc la luminosité et même le rendu colorimétrique vont être très impactés par ceux-ci, voire différents de celui voulu par le photographe. Rien qu’à voir la différence que j’ai sur mon smartphone par rapport à mon écran calibré d’ordinateur…….

Ensuite, pour les tirages, le photographe va choisir avec soin son papier en fonction du thème de ses images et du rendu souhaité. Certaines photos rendent mieux sur papier mat, d’autres sur papier satiné, voire brillant. Il m’est aussi arrivé d’admirer lors d’expos de très beaux Noirs et Blancs tirés sur plaque d’aluminium brossé. Et pour les tirages d’Art dit Fine Art, on peut même sélectionner le papier en fonction de sa texture. Personnellement, si je veux rendre un effet doux ou un peu pastel à mes paysages, je vais prendre le papier mat Hahnemühle ultra lisse. Si je veux mettre en exergue des clairs obscurs, couleurs ou noirs et blancs, je choisirai plutôt un Canson type baryta satiné. Et encore un autre papier mat pour insister sur la texture des arbres…

C’est par le choix du papier que je vais finaliser mon intention photographique et c’est lui va porter l’émotion que je cherche à transmettre à mon public.

Plaisir tactile d’un beau tirage

Tant qu’on ne l’a pas vécu, on ignore ce plaisir sensuel de tenir entre ses doigts un beau papier Fine Art. Au toucher, on peut sentir, d’abord le grammage puis la texture.

Les papiers Fine Art sont très souvent épais, en général au-delà de 250 g/m² (à titre de comparaison une feuille d’imprimante à un grammage de 64g /m² soit 4 fois moins). Cela leur confère ainsi une grande rigidité, donnant la sensation d’avoir de la matière entre les mains. Et cela se traduira aussi par une meilleure planéité à l’encadrement.

Certains papiers ont une texture très lisse, douce au contact des doigts, d’autres sont plus « texturés ». On peut sentir leur grain ou leur relief, comme par exemple avec le papier « William Turner » d’Hahnemühle.

Quant au support Dibond®  (sandwich d’aluminium/ polyéthlène/ aluminium ), l’impression UV directe va apporter un relief là où il y a beaucoup de couleurs denses.

Ce plaisir du toucher est indépendamment de l’image elle-même, mais tout en renforçant le plaisir visuel qu’elle procure.

Plaisir de prendre son temps devant un beau tirage photo

On scrolle tous à toute allure les images que l’on voit sur écran. Même étant photographe je le fais, peut être un peu moins vite, mais j’avoue le faire. Quand on a un grand tirage entre ses mains ou devant ses yeux, on prend son temps de le regarder sous toutes “ses coutures”, et ce sans aucune fatigue visuelle. Ce qui est loin d’être négligeable. On peut en examiner les détails, ou l’amplitude des variations de gris ou des tonalités. Bref, on reprend le temps de l’observation.

Et cela provoque, en nous, un moment d’apaisement intérieur et de régénération de l’esprit. Une échappatoire au stress de la vie quotidienne.

Fierté de posséder une œuvre d ‘Art

Une fois signé, ce tirage devient une œuvre d’art. D’autant plus s ‘il est édité en série limitée et numéroté. Œuvre d’art que vous serez fier de montrer et qui souvent vous aura coûté beaucoup moins qu’un tableau.

Si le photographe ne l’a pas déjà fait, on peut le mettre en valeur avec un montage sous passe-partout, qui va lui donner de la profondeur et un joli cadre. Certains souhaitent le protéger avec un verre, avant de l’accrocher au mur. Personnellement je ne préfère pas, pour éviter les reflets et mieux admirer le papier choisi. Mais si vous y tenez vraiment, je vous conseille d’utiliser un verre anti-reflet. Attention à bien le choisir : il ne doit être que sur une seule face. Quitte à se fournir chez un miroitier plutôt que chez les grandes surfaces de bricolage. Dans mon article, »verre ou pas verre » je décris les avantages et inconvénients des 2 options.

( Si besoin, je peux vous donner les coordonnées du miroitier que j’utilise, pour les verres anti-reflet. Il suffit de me faire la demande via ce lien : Contact – Bruno Patrel Photographies (brunopatrel-photographies.com)).

Conclusion

En fait, le tirage est la vraie fin du processus de création photographique. Il est presque aussi important que la phase de développement, pour qu’une image puisse exprimer son plein potentiel. Et grâce à lui l’image devient matérielle et physique.

J’espère que cet article vous aura donné envie de voir ou d’acquérir un beau tirage d’une photographie. Quelle soit la vôtre ou celle d’un autre photographe. Vous pouvez déjà essayer avec un tirage sur papier photo classique, meilleur marché que les tirages Fine Art. Ainsi, vous aurez déjà le plaisir visuel lié à la taille de l’image et la proximité pour l’admirer, en prenant votre temps. Ce sera un premier pas.

Et si vous avez ressenti d’autres satisfactions avec un beau tirage photographique, n’hésitez pas à les partager en commentaire. cela m’intéresse beaucoup et je vous en serai fort gré.

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Pendant longtemps, par défaut et par facilité je le reconnais, j’en ai mis… Mais je n’étais pas entièrement satisfait en raison de 2 aspects négatifs : Le rendu final, différent et les reflets souvent présents et perturbants pour bien apprécier l’œuvre

Avec l’expérience acquise au cours des expositions, j’en suis arrivé à quelques conclusions que je vais vous partager.

1- Préambule

Une premier point qui interpelle par rapport à l’utilisation d’un verre protecteur est le fait que les peintures ( à l’huile ou acryliques) en sont toujours dépourvues ou presque. L’exception étant dans les musées, pour certaines œuvres inestimables de Grands Maitres. Et malheureusement on peut comprendre pourquoi quand on voit de plus en plus de nos jours certains actes, dits « protestataires », effectués à l’encontre de telle ou telle œuvre.

Mais dans l’extrême majorité des cas, pas de verre. Alors que la surface, par la technique choisie de l’artiste, n’est pas toujours lisse. Et peut donc faciliter l’accumulation de poussières ou de particules présentes dans l’atmosphère. Bien que le temps puisse altérer les couleurs à cause de la lumière comme certaines études scientifiques l’ont démontré.

NB : Attention je parle de peintures à l’huile ou à l’acrylique sur toile- Pour les aquarelles et pastels sur papier, la situation est tout autre : A cause du support (papier) et de La grande sensibilité des matériaux à l’l humidité.

La photographie a elle-même beaucoup évolué au niveau des techniques et des choix d’impression.

On peut avoir des tirages sur toile, comme en peinture ou des tirages sur plaque d’aluminium, type Dibond® , ou dans des caisses dites « américaines ».

Dans tous ces cas, pas de verre protecteur ! Alors pourquoi en mettre sur un tirage papier ?

2- « Pros & cons »

J’ ai donc essayé de recenser ici les avantages et inconvénients, (les « Pros & cons » comme disent les anglo-saxons) d’un verre protecteur.

2-1 Avantages

– Fournis souvent par défaut

On ne peut pas parler d’avantage mais c’est un fait. Lorsque vous achetez des cadres industriels, ils sont toujours proposés avec leur plaque de verre, voire d’acrylique. Ce qui incite implicitement à utiliser ces dernières, sans trop se poser la question du pourquoi.

– Assurer la planéité

Selon moi, c’est probablement la raison première, voire originelle : Un tirage papier n’aura jamais la rigidité d’une toile montée sur châssis, même si on trouve des papiers très épais pouvant aller jusqu’ à 350 g/m².

Inversement, les laboratoires d’impression proposent même des papiers japonais très fins (L’Unryu ne fait que 55g/m²et le Murakamo 42 g/m² !!).

Donc, sans verre protecteur, la photographie risque, avec le temps, de gondoler. Voire ses bords « rebiquer » si elle est de taille plus petite que le cadre. Et d’autant plus si le support sur lequel elle est fixée est lui-même peu rigide.

– Protection

La raison de la protection est triviale, mais il faut faire 2 remarques :

La première : ne jamais mettre le verre au contact direct avec la photographie. Sinon, c’est prendre le risque que de la condensation se mette entre les 2, lors de changements de température. Condensation qui finira par altérer le tirage (ondulations, voire dénaturation des couleurs).

La 2 ème remarque est plus une question : protéger oui mais par rapport à quoi ? Et là tout dépend de votre environnement

Dans les intérieurs de fumeurs, l’agression va être importante : jaunissement des surfaces dû à la nicotine, dépose sur l’œuvre des particules fines en suspension.

De même si vous habitez une région à fort taux d’humidité (climat tropical ou intérieur très humide en ne chauffez pas assez pendant la saison des pluies). L’humidité va détériorer l’œuvre en altérant sa planéité, voire avec le développement de moisissures à sa surface.

3 -ème possibilité : un environnement très poussiéreux, voire avec du sable en suspension. Pas besoin de dessin, bien que la poussière ne soit pas un réel risque. Il est facile d’épousseter l’œuvre. Pour le sable c’est différent car il peut rayer irrémédiablement la surface de la photographie.

Enfin dernier risque et non des moindres, les UV du soleil attaquent les couleurs. Surtout si vous exposez votre œuvre directement ou presque aux rayons du soleil. Ceux-ci vont dénaturer les couleurs avec le temps, en particulier les rouges. Et la vitesse de dégradation va dépendre du type d’impression. Une impression par jet d’encre pigmentaire résistera beaucoup plus longtemps qu’une impression argentique.

Le verre peut alors apporter une protection à condition qu’il soit traité anti-UV. Et malheureusement les fournisseurs de cadres ne donnent pas beaucoup d’information sur les verres des cadres standards. Donc il vaut mieux considérer qu’ils n’ont pas de traitement anti UV.

Dans le cas d’impression par jet d’encre pigmentaire, un autre risque est la sensibilité à l’abrasion : En effet les encres résisteront mal à un frottement d’ongle par exemple sur la surface. Si vous craignez que des personnes indélicates ou peu soigneuses maltraitent la surface de vos tirages, le verre s’avère une bonne protection.

Les nouveaux types d’impression par exemple UV sur Dibond ® ou PVC allient « permanence » et résistance à l’abrasion 

– Conclusion

Donc finalement si votre environnent n’est pas agressif, que vous preniez soin de vos tirages et que vous ne placez pas votre œuvre trop face au soleil (du matin de l’après-midi ou du soir), un verre non traité anti UV n’apportera pas tant d’avantages que cela.

2.2 Inconvénients

– Les reflets

Tous ceux ou celles qui ont une œuvre, photographique ou une aquarelle, sous verre ont fait l’amer expérience des reflets disgracieux sur celle-ci. En particulier en cas d’éclairage, artificiel, orienté vers l’œuvre.

A tel point que lors d’une exposition à laquelle j’ai participé, mes confrères photographes m’ont tout de suite conseillé de retirer les verres de mes œuvres. Mais de les mettre derrière le dos cartonné sur lequel est fixé la photographie pour assurer la planéité. Bien leur en a pris. Et maintenant je garde les verres pour le transport mais les retire quasi systématiquement avant d’accrocher mes œuvres dans une exposition.

J’ai aussi le souvenir d’avoir visité une exposition , il y a quelques dizaines d’années d’un Grand Maitre photographe Japonais. Ses photographies, en très grand format étaient exposées sans aucun verre!

Bien sûr il y a la solution des verres anti-reflets. Mais attention, car il y a différentes qualités d’anti-reflets. Tout d’abord proscrivez les verres proposés par les grandes surfaces de bricolage. L’anti-reflet est appliqué sur les 2 faces et obscurcit la photographie. Il faut privilégier un verre n’ayant qu’une seule face anti-reflet que l’on trouve chez les spécialistes d’encadrement ou verriers. Nous verrons plus bas que le nec plus ultra est d’associer le traitement anti -reflet avec un traitement anti UV.

– -La perte de rendu

Lorsqu’un verre est intercalé entre l’œuvre et le spectateur, on perd quelque chose. Ce quelque chose c’est non seulement l’intensité des couleurs mais aussi le rendu ou le « toucher » dû au papier utilisé par le photographe pour l’impression. En particulier si l’impression est sur un papier mat, et même satiné. Le verre va tendre à rendre « brillant » le tirage. On perd aussi la texture du papier qu’il soit lisse ou au contraire un peu gaufré. Or le photographe attache très souvent une grande importance au choix du papier qu’il va utiliser pour ses tirages, en particulier s’il s’agit de tirages Fine Art (ou tirages d’art).

Personnellement, selon le thème de la photographie je vais choisir différents papiers. Par exemple un papier mat ultra lisse, pour avoir une finesse de détail dans les paysages. Ou un baryté satiné, pour sublimer les couleurs de mes natures mortes. Le choix du papier va contribuer à la beauté finale de l’œuvre, tout autant que la maitrise de l’exposition, la composition ou le développement. Mettre un verre, c’est amputer, malheureusement, une partie de l’œuvre.

3- Pour conclure sur l’encadrement d’une photographie : « verre ou pas verre ? « 

Le choix final de mettre ou pas mettre un verre protecteur va donc dépendre de plusieurs facteurs :

Du degré d’agressivité de votre environnement.

De la qualité intrinsèque du papier utilisé lors du tirage.

De votre propre sensibilité à l’importance du rendu final de l’œuvre.

Et comme souvent, tout est affaire de compromis.

Mais je pencherai pour 2 attitudes :

• Soit protéger l’œuvre mais avec un verre de haute qualité, traité anti UV et anti-reflets.
• Soit retirer le verre et le mettre entre le dos cartonné et le fond du cadre pour assurer une bonne planéité, si vous utilisez un cadre industriel.

NB : Pour ceux qui sont craintifs vis-à-vis du risque d’abrasion sur les tirages en impression par jet d’encre pigmentaire, une solution peut être la pulvérisation d’un vernis spécial proposé par certains fabricants de papiers Fine Art. Personnellement je n’ai pas encore testé mais je sais que des confrères l’appliquent.

Voilà, J’espère que cet article vous a plu. N’hésitez pas à me partager votre propre expérience ou vos commentaires

Quelques sources bibliographiques pour en savoir plus

Pourquoi certains tableaux vieillissent mieux que d’autres (theconversation.com)

Protéger, sauvegarder et entretenir ses œuvres

Pourquoi les pigments rouges s’estompent-ils dans les œuvres d’art historiques?

Comprendre l’altération des couleurs des toiles par Kévin Moris (afis.org)

Pour ceux que la durée de conservation sur les tirages photographiques intéresse, je vous conseille l’article ci-dessous du laboratoire professionnel Picto : Picto Online – Picto actif dans la recherche avec l’École Nationale Supérieure Louis Lumière

Liens vers mes autres articles

Le plaisir d’un beau tirage photo

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Pour renforcer cette simplicité on utilise souvent des matériaux « froids » comme le métal, le verre, le plastique. Le bois, quand il est présent, est plutôt de couleur claire et surtout très sobre, non sculpté.

De même au niveau du choix des couleurs on trouve souvent des jeux de contrastes marqués entre les éléments. C’est-à-dire, entre ceux de petite taille aux couleurs fortes (rouge, jaune, orange, vert, bleu vif, etc…) et ceux de grande taille qui auront des couleurs basiques (bleu, marine ou moyen, marron, gris, sable, blanc).

Au passage, je vous rappelle la recommandation de limiter le nombre de couleurs à 3 et d’avoir une proportion 1/4-3/4 , en surface , entre les couleurs fortes et les couleurs basiques.

Pas le temps de lire en entier cet article ? Vous pouvez le demander en format PDF afin de pourvoir le lire plus tard via le formulaire ci dessous:

Pour bien s’intégrer dans ce style de décoration, les photographies devront reprendre ces concepts de simplicité. Que ce soit au niveau du thème, de la composition et le choix des couleurs.

Les thèmes pourront être assez variés. Des portraits dépouillés au cadrage serré- Des photographies de rue au message puissant. Ou encore, des photographies d’architecture ou abstraites.

La composition sera minimaliste ou avec un graphisme marqué, voire en combinant les deux.

Quant aux couleurs , si le noir & blanc ou les monochromes sont à privilégier, on peut aussi jouer avec les contrastes entre 2 couleurs fortes

Quelques exemples de photographies

La première à gauche, que j’ai intitulé « Orgues dorées », a été prise sur une façade d’un bâtiment moderne à Lille. Prise de loin, au téléobjectif, les perspectives ont ainsi été écrasées et le cadrage se restreint à la juxtaposition des verticales et des diagonales. La présence d’une seule dominante de teinte renforce le côté graphique.

Pour la deuxième à droite, j’ai aussi utilisé un téléobjectif, pour n’avoir dans le cadre que ces fenêtres et un tout petit peu de la façade. Au niveau graphique il n’y a que des rectangles, des lignes verticales et des horizontales. L’aspect cuivré de la façade et les fenêtres pourront renforcer la présence de métal ou de verre d’un intérieur. Les couleurs se limitent à des camaïeux d’orange et de turquoise dont le contraste fort est dû à leur opposition sur le cercle chromatique. D’où le nom donné à cette image « Cuivre et Turquoise »

Attention cependant à ce qu’il n’y ait pas déjà d’autres couleurs fortes dans la pièce prévue pour y accrocher une photographie de ce type. Par contre, si la photographie rappelle des couleurs déjà présentes, cela accentuera l’harmonie de la pièce

Les images avec de fortes perspectives ou des lignes fuyantes marquées peuvent très bien aussi s’y prêter tant que la composition reste minimaliste.

Cette éolienne que j’ai prise de très près, en contre plongée se limite à 2 lignes (une diagonale et une verticale) et un rectangle. Le Noir & Blanc renforce également le graphisme. Il présente aussi l’avantage de ne pas risquer des contrastes disgracieux de couleurs avec un intérieur.

D’autres thèmes sont possibles. Dans un autre article, j’explique comment certaines photographies de « formes insolites, peuvent aller aussi avec une décoration moderne «  (Sur vos murs, des  photographies de formes insolites .  

Cas des photographies de paysages

Pour ceux qui aiment les paysages, je serai plus circonspect.

Je recommanderai soit une photographie en Noir et Blanc soit une dont la composition est très évanescente et plutôt aux tons pastel (sous réserve qu’ils s’associent avec le reste de votre décoration). Elles peuvent alors même « réchauffer » l’atmosphère de la pièce

Comme celle-ci dont la composition reste minimaliste.

Une autre possibilité réside dans les photographies rendues abstraites. Par exemple, grâce à la technique de prise de vue avec flou de bougé volontaire. Comme le pratique, avec réussite, Emmanuel Munier, un photographe de Bretagne. Pour l’illustrer, j’ai choisi ci-dessous une de ses œuvres ,dénommée « L’eau et le vent » :

De multiples autres exemples de thèmes auraient pu être présenté. L’important étant de garder en tête des principes de simplicité, de minimalisme ou de graphisme dans la composition.

Si cet article vous a plu ou si vous avez des remarques, n’hésitez pas à mettre des commentaires. Ils me sont toujours très utiles.

Nota bene

• A l’exception de « L’eau et le vent » toutes les photos de cet article sont issues de la galerie de mon site web  https://brunopatrel-photographies.com. Et certaines sont en vente sur la boutique du même site.

• Vous pouvez découvrir les photos abstraites d’Emmanuel Munier via son site, accessible par ce lien : PHOTOGRAPHIES DE BRETAGNE – Manu Munier Photographie

• Mes autres articles autour du thème photographies et décoration :

Sur vos murs, des photographies de formes insolites

Comment bien choisir une photographie pour sa décoration

Osez une photographie de paysage dans votre Décoration-1

Osez la photographie de paysage dans votre décoration-2

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Un moyen pour rendre sa décoration murale plus originale, et qui interpellera encore plus ses visiteurs, est d’accrocher une photographie où les formes, les textures, suscitent leur imagination.

C’est ce que j’appelle les « formes insolites ».

L’effet est encore plus efficace quand le sujet fait penser à un animal ou à un être humain (voire aux objets qu’il a coutume d’utiliser)

Le tronc ou les branches d’arbres se prêtent assez bien à ce jeu. Personnellement j’aime arpenter tous les lieux où ils peuvent pousser afin de pouvoir en dénicher un qui aura frappera par sa ressemblance manifeste ou qui stimulera notre imagination. Dans cette photographie choisie pour illustrer l’article, j’ai d’abord vu, une peinture ou une planche de bande dessinée, Mais en réalité c’était inconsciemment une hydre menaçante descendant inexorablement vers nous qui s’était imprimé sur ma rétine……

Une autre fois ce fut une immense moisissure ressemblant à une draperie ou à un rideau ancien, dans une fontaine asséchée, qui m’a sauté aux yeux en 2021. La photographie « Draperie d’Hunawhir », qui en a résulté, figure désormais dans la Galerie de mon site web ( brunopatrel-photographies.com ).

L’intérêt des photographies de formes insolites pour votre décoration

Le premier argument en faveur de l’utilisation de ce genre de photographies est leur originalité : loin des sentiers battus, loin des paysages « cartes postales « ou autres thèmes à la mode, etc…La réelle difficulté à trouver puis à photographier avec succès des formes insolites accentue la rareté des œuvres et donc cette originalité. En contrepartie, on doit s’attendre à ce que l’œuvre soit plutôt clivante : « on aime ou on n’aime pas ». Selon que l’on partage ou pas l’image mentale que le photographe a vu dans le sujet.

Si on aime la photographie exposée, on aura le sentiment à la fois d’exprimer sa propre personnalité et d’entrer comme en résonance avec le photographe qui aura su capter et transcrire la dite-forme.

Autre avantage, on aura plus facilement le sentiment d’avoir une œuvre d’Art accrochée sur son mur. D’autant plus si elle est tirée sur un papier de qualité (tirage Fine Art) et en série limitée.

Pour savoir les critères auxquels une photographie doit répondre pour pouvoir être considérée comme une œuvre d’Art je vous renvoie à mon article Osez la photographie de paysage dans votre décoration-2

Leur place en fonction du style de décoration

Par leur côté souvent abstrait, ce genre de photographies ira alors tres bien dans une décoration contemporaine. Je vous renvoie également à un article précédent (Comment bien choisir une photographie pour sa décoration ), qui traite entre autres des différents thèmes photographiques en fonction du style de décoration.

Son contraste avec un ameublement aux lignes sobres captera le regard de vos invités.

On privilégiera alors les pièces de convivialité (par exemple, les salons) mais elles peuvent aussi très bien s’intégrer dans une chambre d’adulte.

Complexité photographique des formes insolites

Même si cela ne sera jamais un argument en soi pour accrocher sur vos murs une photographie de formes insolites, peut-être vous interrogez vous sur la difficulté de les réussir.

Tout d’abord, réaliser une très belle photographie n’est jamais facile, même si la numérisation et le développement des smartphones tendent à faire croire, à tort, le contraire.

Mais la photographie de formes insolites accentue la complexité :

Il faut trouver le sujet, puis souvent tourner longtemps autour, pour trouver le bon angle qui mettra le mieux en évidence sa forme par rapport à la ressemblance qu’on a visualisée.

En termes de composition à la prise de vue, le sujet doit être le seul ou bien le principal élément de la photographie et le nombre de couleurs dominantes doit aussi rester limité.

Enfin, la maîtrise du post traitement devient cruciale pour mettre en exergue l’imaginaire transmis par le sujet. En plus des techniques habituelles à tout développement que ce soit dans Lightroom, Photoshop ou autres, on doit particulièrement travailler les textures et les contrastes. 

Qualité du support pour les photographies de formes insolites

Quel que soit le support utilisé, celui -ci devra être de qualité. Personnellement j’ aime bien les tirages Fine Art sur un papier épais pur coton. Je choisis ceux qui ont un peu de texture granuleuse afin de donner du relief à la matière du sujet photographié. De préférence mat ou à la rigueur satiné afin d’éviter les reflets ou un effet « plastique ». Mais c’est une affaire de goût, l’important est que votre support mette en exergue l’œuvre.

Conclusion

Une photographie de formes insolites vous assurera à coup sûr de l’originalité et suscitera la curiosité de vos invités ou clients. Tirée sur un beau support elle sera propice à devenir une œuvre d ‘art à art entière, apportant un plus à votre décoration.

J’espère que cet article vous aura intéressé . Voire qu’il aura suscité l’envie de saisir des formes insolites à travers votre objectif ou d’acquérir une photographie sur ce thème pour votre décoration intérieure.

N’hésitez pas à me faire part des formes insolites que vous auriez pu découvrir dans la nature. C ‘est toujours intéressant de voir ce que les autres perçoivent et qu’on aurait peut- être pas vu soi-même.

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Introduction

Nous avons vu dans les 2 blogs précédents que l’on peut décorer une pièce de son établissement avec une photographie de paysage (rural ou urbain) comme avec n’importe quelle autre œuvre d’art. Et même avec un paysage de la région que l’on habite voire dont on est originaire. Mais comment bien choisir une photographie pour sa décoration, ou a fortiori plusieurs?

Car parfois, on a un coup de cœur, on achète l’œuvre et puis …. Déception, une fois celle-ci accrochée …Ce n’est pas que l’œuvre soit devenue moins belle… Ce n’est pas que vous vous êtes trompés, mais simplement parce que celle-ci ne s’intègre pas dans votre pièce.

C’est donc le thème de ce nouvel article ; « Comment bien choisir une photographie pour sa décoration intérieure »

A l’issue de cet article, non seulement vous n’aurez plus peur d’hésiter mais vous aurez des éléments tangibles pour faire votre choix

Les Critères

En fait, il y a 4 critères à prendre en compte, pour choisir votre photographie d’Art.

 Ces critères sont :

• L’émotion que suscite l’œuvre (encore et toujours),
• Le genre ie le thème de photographie, qui doit aller avec votre style de décoration
• Les couleurs de votre pièce où sera destinée la photographie et les dominantes de celle-ci, afin d’obéir aux règles d’association des couleurs dans une décoration.
• Les dimensions de la photographie, qui doit être choisie en fonction de l’espace disponible, si elle va être mise seule ou à côté d’autres œuvres murales.

Suite de l’article 

1-L’émotion suscitée

Il existe différentes théories sur le nombre d’émotions que l’on peut ressentir. Par exemple, le psychologue Paul Eckman, dans les années 1970 a identifié six émotions de base qui, selon lui, étaient universellement vécues dans toutes les cultures humaines : Bonheur, tristesse, surprise, peur, colère, dégout.  Chacune pouvant engendrer une réaction faciale, un langage corporel ou un ton de la voix, qui seront différents du langage verbal. Depuis d’autres théories sont apparues mentionnant jusqu’ à 27 émotions différentes!

Vous aurez donc envie d’acquérir une photographie si elle suscite en vous par exemple : de la joie, de l’enchantement, un sentiment d’apaisement, de l’empathie, de la surprise mais possible aussi de la révolte devant une injustice.

Souvent, vous ne pourrez pas choisir pour les autres quand vous décorez vos pièces. Alors faites-le pour vous! Car au minimum elle doit vous faire ressentir de la fierté et de la joie de l’avoir accrochée sur votre mur

2-Quelles photographies en fonction du Style de Décoration

Une fois le côté émotionnel clairement identifié, la première des priorités est de savoir quels types de photographies vont aller avec la décoration de vos pièces. Et vous n’opterez pas pour le même type de photographie selon si votre avez:

• Décoration Scandinave ?

Réchauffer l’atmosphère avec des photographies aux couleurs vives. Les couleurs sont toutes celles qui ne sont pas considérées comme couleurs basiques (bleu foncé, gris, marron, sable et blanc). Il faudra cependant veiller à ce que ces couleurs s’harmonisent avec les autres couleurs présentes dans votre pièce, en particulier au niveau des accessoires (cf paragraphe ci-dessous sur les couleurs)

• Style industriel (ex Mur en brique apparent avec mobilier moderne)?

Privilégier les photographies très graphiques, ou de scènes de rue prises sur le vif dans leur environnement. Par exemple, le Noir et blanc évitera les mésalliances de couleur avec les murs en brique.

• Décoration traditionnelle au style rustique ? 

Opter pour des photographies en N&B, ou si en couleur, aux tons pastel ou monochromes dans une dominante qui s’intègre avec votre pièce.

• Décoration « zen » ?

Choisir des photographies qui expriment la sérénité, la douceur et au visuel relaxant. Par exemple des paysages calmes aux tons pastel, pris au lever du jour. Une nature morte très dépouillée avec seulement 2 couleurs se contrastant ira aussi très bien.

• Style Vintage des années 1950-1970 ?

Sélectionner des photographies qui associent les couleurs marquées avec des thèmes et des éléments de cette époque, aux couleurs vives.

• Décoration contemporaine ?

Adopter les photographies d’architecture, ou celles ou le graphisme prime. Qu’elles soient en couleur ou en Noir & Blanc, car elles s’harmoniseront bien avec les lignes précises du mobilier et ses couleurs non saturées. Pour plus ample information, je développe plus en détail ce thème dans un article spécifique: Quelles photographies dans une décoration moderne ? –

• Intérieur cosy, style cottage?

Renforcer le côté chaleureux avec des photographies de nature ou de montagne.

Un autre facteur à prendre en compte est la raison d’être de la pièce ;

Eviter les photos trop chargées dans un bureau ou aux couleurs trop vives -Elles risquent de fatiguer le regard- A l’inverse une photographie qui inspire à la rêverie ou est propice à l’évasion sera un excellent bol d’air pour s’aérer l’esprit, le temps  d’un coup d’œil.

A l’inverse dans un couloir tout est permis, le temps de passage court évite de se lasser.

Pour bien choisir la photographie qui ira avec votre décoration intérieure , il faut également prendre en compte les couleurs et les dimensions disponibles sur vos murs.

3-Influence des couleurs

Bien qu’une photographie au mur ne soit qu’un élément de votre pièce, ses dominantes de couleur devront respecter les grands principes de l’association des couleurs.

Et pour comprendre ces principes, il faut savoir qu’en décoration, il y a 2 concepts à prendre en compte :

Les couleurs basiques et les couleurs fortes d’une part et Les contrastes et les camaïeux d’autre part

• Couleurs basiques,

Il s’agit des couleurs qui se marient bien entre elles et qui vont constituer la base de la décoration :

Bleu (marine ou moyen), marron, gris, sable, blanc

• Couleurs fortes,

Les couleurs marquées, qui ont un fort impact visuel :

Rouge, jaune, orange, vert, bleu vif etc…

• Contrastes

Le contraste entre 2 couleurs est l’opposition entre celles-ci, dont l’une va faire ressortir l’autre

Les contrastes entre les couleurs basiques limitent la prise de risque par leur ton neutre, car toutes se marient entre elles. Mais sur un mur blanc, gris ou noir, une photographie avec des teintes proches générera de la monotonie et la photographie ne sera pas beaucoup mise en valeur. Préférer alors une photographie avec des couleurs fortes.

Plus les couleurs sont opposées sur le cercle chromatique ci-dessous moins elles s’accordent entre elles. Le contraste provoqué par 2 couleurs complémentaires ( ie diamétralement opposées sur le cercle chromatique) sera  très fort. Mais cela permettra aussi de mettre en évidence une photographie sur un mur coloré  

• Camaïeux

Il s’agit d’un « dégradé de saturation » d’une même couleur.

Il peut être très utile pour dynamiser votre décoration, sans augmenter trop le nombre de couleurs qui doit rester limité.

Une photographie en camaïeu de couleurs basiques adoucira la décoration d’une pièce chargée. Tandis qu’une photographie en camaïeu de couleurs fortes ressortira bien dans une pièce à la décoration plus minimaliste.

Association des couleurs

Une première règle est de se limiter à 3 couleurs. Au-delà le regard se disperse et il en résulte un sentiment de confusion. Par conséquent, incompatible avec une ambiance de convivialité ou de détente par exemple.

L’autre règle est d’avoir une proportion 3/4 – 1/4 entre les couleurs basiques (camaïeux inclus) et les couleurs fortes. Ce qui induit là aussi de limiter les couleurs fortes aux éléments de plus petites tailles: aux accessoires ou aux œuvres murales, par exemple. A noter qu’une photographie dont les couleurs rappelleront celles de votre mobilier ou de vos accessoires créera un écho visuel qui se traduira par un effet d’harmonie ainsi qu’un sentiment d’espace (surtout avec des couleurs vives)

Enfin, cas particulier du Noir & Blanc qui est à privilégier, soit dans une décoration sobre, qu’il appuiera, soit avec un mobilier très chargé auquel il offrira un contraste reposant. Ou, comme nous l’avons mentionné plus haut, sur un mur en brique.

4-Dimensions d’une photographie

Dernier critère pour choisir une photographie pour sa décoration intérieure, qui a aussi son importance et qui soulève souvent des interrogations légitimes: Quelle dimension choisir, pour que la photographie ne paraisse ni trop petite ni trop grande sur le mur auquel elle sera destinée?

On peut appliquer pour une photographie les règles valables pour un tableau, qui sont;

Avoir un ratio 3/8 (0.37) par rapport à la surface d’un mur vide : par exemple sur un mur (vide) de longueur de 3,20 m*2,70m (L*H), la taille idéale de la photographie (encadrement compris) devrait être de 1,20*1,0 m.

Il y a aussi la possibilité de mettre plusieurs photographies. Dans ce cas il ajouter l’intervalle entre les 2 œuvres :  par exemple on peut mettre 2 photographies de 55cm espacées de 10 cm sur un mur de 3,20m de longueur (55+10+55= 120)

De plus pour éviter d’appesantir la pièce, si vous envisagez de placer l’ œuvre au-dessus d’un meuble, elle ne doit pas dépasser 75 % de la longueur de ce dernier. En fait elle doit être comprise entre les 2/3 et les 3 / 4 de la longueur du meuble.

Donc dans notre exemple si dessus, au-dessus d’un buffet de 1,60m la longueur totale des œuvres ne devrait pas dépasser 1.20. Même si la pièce fait plus de 3,20 m de longueur.

Autre facteur à prendre en compte ; la distance possible de recul par rapport à l’œuvre. Ainsi dans un couloir étroit, quelle que soit sa longueur, vous ne pourrez pas mettre une grande photographie. Sous peine de donner un sentiment d’écrasement.

Vous avez maintenant tous les éléments pour choisir la photographie qui ira bien dans votre pièce. Et n’oubliez pas, une photographie peut être une véritable œuvre d’Art si elle répond aux conditions que je décris dans mon blog « osez la photographie de paysage dans votre décoration-2 »

Et si vous avez des questions, n’hésitez pas à me les poser dans le pavé « commentaires ». J’y répondrai avec plaisir

Annexes

Autres articles associés :

• Quelles photographies dans une décoration moderne ?
• Sur vos murs, des photographies de formes insolites,
• Osez une photographie de paysage dans votre Décoration-1,
• Osez la photographie de paysage dans votre décoration-2

Sources bibliographiques :

• Quel type de photographie d’art utiliser pour décorer son salon ? (Renovation-et-decoration.com)
• les-6-principaux-types-demotions-et-leur-effet-sur-le-comportement-humain/
• Quelle photographie d’art pour décorer votre intérieur ? – M6 Deco.fr
• Parégrine | Comment choisir une photographie ? (paregrine.com)
• Comment choisir la bonne grandeur de toile pour mon mur ? – DecorMonMur.ca

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Lors du précédent blog (Osez la photographie de paysage dans votre décoration-1),  nous avons vu que l’idée d’accrocher une photographie sur un mur pour décorer son intérieur pouvait susciter plusieurs réticences:  

L’une d’entre elle peut -être générée par vos doutes, sur le fait qu’elle puisse être assez valorisante ou digne de votre décoration…

C’est le thème de ce nouvel article

Suite de l’article:

Une époque contradictoire pour la photographie :

Il est vrai qu’il n’a jamais été aussi simple de faire de la photographie. Des millions de photographies sont prises tous les jours, mais souvent sans recherche artistique ou émotionnelle. Elles sont partagées immédiatement sur les réseaux sociaux. Et on les regarde sur nos écrans à toute vitesse ….
Par ailleurs, de nombreuses chaines franchisées proposent pléthores de photographies (encadrées ou non). Qui plus est, sur des supports de qualité souvent médiocres. Ce qui dévalorise encore plus l’usage de la photographie.
Et pourtant une photographie peut etre une véritable œuvre d’art, tout à fait à sa place dans une belle décoration intérieure.

3 conditions pour qu’une photographie soit une œuvre d’Art:

• La première évidemment est liée à sa qualité intrinsèque : elle doit être :
  • Réussie techniquement,
  • Avoir un fort impact visuel,
  • Et susciter de l’émotion en vous.
•  La deuxième est qu’elle soit tirée (imprimée) sur un beau support, résistant au temps : cela peut etre un support en aluminium, un papier Fine Art ou un support Dibond® ( Le support Dibond est un composite constitué de 2 couches aluminium extérieures et d’une couche centrale en polyéthylène).

Les papiers Fine Art n’ont rien à voir avec les papiers « RC » (RC pour resin-coated). Ces derniers sont bon marché, donnent un aspect « plastique à l’image (et encore plus quand ce sont des papiers brillants).

En effet, les papiers Fine Art sont en pur coton ou un mélange de coton et d’alpha cellulose et souvent épais (entre 250 et 350g/m² pour leur conférer une belle rigidité. Quand couplés avec une impression en jet d’encre pigmentaire ils garantissent alors de longue conservation (plus de 100 ans).

C’est le photographe qui choisit le type de papier, en fonction de l’œuvre photographique elle -même. Personnellement j’utilise 3 types de papiers :

• Papier pur coton, mat à texture tres lisse pour sublimer les détails des paysages.
• Papier pur coton, mat, mais plus texturé, pour les photographies d’arbres.
• Papier pur coton, satiné, à texture lisse,  pour avoir des noirs profond

Sur ce type de papier, une fois encadrée, la photographie révèlera alors la plénitude de son attrait.

• Troisième et dernière condition, le nombre de tirage doit etre limité.

D’ailleurs pour pouvoir etre considéré comme œuvre d’Art au sens de la législation ; le nombre maximum est de 30 exemplaires. Personnellement je me limite à 10, tous formats confondus.  Les  tirages doivent également être numérotés. Dans ces conditions, vous pouvez même bénéficier des déductions fiscales, applicables pour les oeuvres d’ Art  (si la photographie est exposée au public (hall d’accueil, salle de restaurant, salle d’attente, etc… ).

Ainsi, avec un esthétisme fort, un tirage sur un beau support et en série limité, une photographie devient une œuvre d’Art que vous serez fiers d’exposer.

Prochainement :

Le 3eme, et dernier, blog de cette série sur « comment choisir une photographie en fonction de votre décoration intérieure »

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Nous aimons parcourir nos compagnes, nous promener sur les bords de mer. Pourtant dans certaines régions, il y a parfois une réelle réticence à mettre une photographie d’un paysage local au mur.

Peut-être d’ailleurs faites-vous partie de ces personnes qui pensent que :

• « Ma région n’est pas assez photogénique » 
• « Une photographie n’est pas assez valorisante pour ma décoration ».
• « J’hésite sur les thèmes photographiques à choisir  »

Aujourd’hui je vais vous  montrer comment se détacher de la première croyance:

 « Ma région n’est pas assez photogénique »

Votre région est « plutôt banale ». Il n’y a pas de superbes spots comme le Mont Saint Michel par exemple ou de magnifiques points de vue comme en montagne ou sur la côte bretonne

Mais, ce que beaucoup de gens oublient, ce n’est pas les lieux qui rendent une scène photogénique mais la lumière : Le Mont Sant Michel sous la pluie donne rarement une superbe image. Tandis qu’un lever de soleil embrumé en pleine campagne donne envie de sortir son appareil photo ou son smartphone

Je vais vous faire une confidence……. Je n’avais à priori aucune attirance pour la Somme n’y voyant que les champs et la boue du Santerre sous un ciel gris d’automne ……. Mais ma compagne vit près d’Amiens … donc il y a 3 ans, je me suis fixé un défi. Arriver à faire de belles photos de paysages dans un rayon de 30 kms autour de son domicile.

Quelque mois après je participais à ma première exposition, en y montrant plusieurs de mes photos sur les étangs des environs d’Amiens. Dont cette photographie ; qui est désormais en première page de mon compte Instagram, ma page Facebook et mon site internet https://brunopatrel-photographies.com

Comment j’y suis arrivé ?

En suivant quelques principes simples ;

• Faire du repérage souvent.
• Y aller tôt le matin, Pour capter le lever du soleil  et profiter de cette fameuses heure dorée. (et pourtant je ne suis pas un lève-tôt croyez-moi !)-
• Prendre le temps de regarder, d’observer, d’admirer et même écouter. La marche est d’ailleurs un excellent moyen pour être attentif.
• Et surtout y croire- !  Même si certains jours les conditions paraissent moins favorables. Vous ne pouvez jamais savoir quelle lumière vous aurez tant que vous ne serez pas sur les lieux – Et le plus souvent vous avez droit à quelques belles surprises !

 

Fort de ces principes, je ne cherche plus systématiquement à « courir « le monde « à la recherche de beaux paysages. Mais à prendre le temps de découvrir ceux où je suis.

C’est comme cela que je peux passer une matinée à arpenter un parcours de golf des Hauts-de-France alors que je ne pratique pas ce sport- Juste avec mon boitier ; à traquer la lumière et l’angle de vue qui mettra en exergue un endroit du parcours.

L’important donc est d’être convaincu que toute région possède un potentiel photographique et qu’elle mérite d’être montrée aux autres.

La prochaine fois, nous traiterons de la 2eme croyance ; une photographie n’est pas assez « digne » pour une décoration intérieure.

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