Préambule

Comme dans mon précédant article « trépied ou pas « , je ne vais pas vous apprendre les bases des techniques photographiques. Ce n’est pas mon métier. Pour cela, je vous recommande de vous tourner vers un photographe formateur professionnel. Comme par exemple Jérôme Pallé, dont j’ai pu apprécier les qualité pédagogiques (lien vers son site à la fin de l’article). Mais bien sûr, il en existe d’autres .

Mon simple but est de vous partager mes trucs et astuces pour réaliser certaines de mes images.

Introduction

Certaines de mes photographies n’existeraient pas sans le temps passé à examiner les œuvres des Maîtres Photographes. Non seulement, pour le pur plaisir de voir de belles images mais aussi pour comprendre pourquoi elles ont un tel impact visuel et émotionnel.

Les raisons

En fait il y a plusieurs raisons qui peuvent expliquer pourquoi c’est si enrichissant de regarder les œuvres des Maîtres Photographes. Ce n’ est pas d’ailleurs l’apanage de la photographie. C’est vrai aussi dans d’autres arts comme la peinture et j’imagine la sculpture ou la musique.

• Pouvoir admirer de belles photographies
• Découvrir l’ époque et l’ environnement de ces photographe, à travers leurs images
• Apprendre d’eux (composition, thèmes photographiques…) via l’examen attentif de leurs œuvres
• Se régénérer soi -même, i.e. trouver de nouvelles sources d’inspiration.
• Enfin comprendre pourquoi ses propres images ne rendent pas aussi bien qu’on le souhaiterait Et ce qu’il faudra faire lors des prochaines sorties photo.

Exemples

C’est ainsi que j’ai découvert un jour que Sebastião Salgado n’hésitait pas à placer parfois au centre de ses images l’élément principal. Alors qu’on entend si souvent, en particulier lorsqu’on débute,  » Appliquez la règle des tiers » (Les éléments forts doivent être placés sur des lignes horizontales ou verticales, situées au tiers de l’ image, voire à l’intersection de ces lignes).

Et surtout pourquoi ça marchait chez lui et si rarement dans nos propres images…

La photographie qui illustre cet article est un autre exemple- Je l’avais prise lors d’une randonnée en Bretagne autour de Paimpont dans un site remarquable. J’avais soigneusement composé mon image et utilisé la technique HDR pour éviter une image trop contrastée. Mais le résultat ne me convenait pas totalement.

Plongé un soir dans le livre « Ici au loin « de Pentti Sammallahti, photographe finlandais, m’ est venue l’idée de « revisiter « certaines de mes photographies, cette fois en Noir et Blanc. Alors que je photographie plutôt en couleur. Et le résultat pour celle-ci m’a enfin plu.

Idem pour celle ci-dessous, intitulée « Au bonheur des arbres têtards« . En couleur, elle ne passait pas due aux vêtements des personnages qui, bien que petits, tranchaient trop avec la végétation. De même que le ciel.

Méthodologie

Pour revenir aux photographies des Maitres photographes, je suis une méthodologie bien précise pour les regarder. Méthodologie, qui a été développée par David Duchemin, photographe Canadien, dans ses formations sur comment rendre une image plus impactante.

Elle repose sur les examen des items suivants

1. Format de l’image choisi par le photographe ( 3:2 , carré , 16: 9 etc…). Elle n ‘est pas due au hasard ou à la contrainte du format du capteur. Mais résulte d’un choix conscient de sa part par rapport à la scène.
2. Les lignes et les formes qui vont structurer l’image
3. Les éléments de l’image et leurs relations entre eux
4. Le positionnement du photographe dans le temps et l’espace. En particulier sa distance vs au sujet et le type de focale utilisé (grand angle, téléobjectif, par exemple)
5. Les lumières et les ombres
6. le jeu des contrastes, qu’ils soient conceptuels ou visuels
7. Les couleurs présentes dans l’image (ou le choix du N&B)
8. Le choix du moment au niveau action et composition de l’ image ( le fameux moment décisif d’Henri Cartier-Bresson en reportage de rue)
9. L’équilibre (ou déséquilibre volontaire) des masses visuelles (selon le principe que plus une masse est lumineuse, moins sa taille nécessite d’être importante pour attirer l’œil du lecteur).

Je l »utilise pour commenter de temps à autre une photo d’un Maître photographe dans nos séances de coaching du Club Photo en ligne, organisées par Jérôme Pallé.

Mais également sur mes propres réalisations, pour prendre du recul et faire une analyse un peu plus objective.

(Si tu souhaites voir un exemple concret sur comment je l’applique tu peux demander le PDF : « Exemple d’une photographie commentée/ « Au bonheur des arbres têtards » en remplissant le petit formulaire, placé tout à la fin- C’est gratuit !).

Mais, vous l’ avez compris, le but ultime, derrière, est d’apprendre à appliquer soi-même ces items lors des prises de vues ! Via la mise en pratique, l’entrainement , parfois spécifique , mais répété et régulier. Désormais, même si je ne passe pas systématiquement en revue tous les critères dans ma tête, il y en a toujours quelques-uns auxquels je vais songer, selon la scène, quand je cadre.

En conclusion

Apprendre des Maîtres photographes, en examinant, voire en décortiquant, certaines de leurs œuvres est donc devenu pour moi un processus obligatoire, enrichissant et régénérant. Enrichissant non seulement pour ma culture photographique, mais aussi pour améliorer ma propre technique. Et régénérant quand je suis en perte d’inspiration.

Je leur en suis infiniment reconnaissant.

Bruno Patrel

Liens et références bibliographiques

Jérôme Pallé – formation-photographe.net/

Workshops + Adventures (davidduchemin.com)

Trépied ou pas trépied ? – Bruno Patrel Photographies

« Ici au Loin », Pentti Sammallahti, éditions Actes Sud

Pour recevoir le PDF « Exemple d’une photographie commentée/ »Au bonheur des arbres têtards » :

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Préambule 

L’objectif de cette série d’articles n’est pas de vous former à la photographie- Pour cela il existe de très bons photographes formateurs. Je vous en cite un d’ailleurs en référence en bas de l’article, qui m’a beaucoup appris.

Mais c’est de partager avec vous certains trucs ou astuces que j’utilise dans mon domaine de prédilection : la photographie de paysage.

Introduction

Du temps de l’argentique, qui disait photographie de paysage disait utilisation d’un trépied. Les petites ouvertures et les films de faible sensibilité (100 Iso ou moins) utilisés pour avoir une belle profondeur de champ et pas de grain, conduisaient à choisir des vitesses lentes si la lumière était faible. Le trépied devenait vite indispensable pour éviter le flou de bouger.

Mais les boîtiers numériques modernes ont une grande capacité à monter dans les ISO, sans générer beaucoup de bruit numérique. De plus ils ont un système de stabilisation intégrée, quand celui-ci n’est pas déjà dans l’objectif. On peut donc utiliser des vitesses bien supérieures, à condition de lumière égale, que dans le passé. Par ailleurs on peut aussi considérablement réduire le bruit (grain) en post traitement.

Donc en ce qui me concerne, je le prends, tout le temps quand je pars en sortie photo. Mais ne l’utilise pas toujours !

Conditions où je l’utilise

J’aime le côté posé que le trépied procure pour composer son image. Cela aide à l’observation, à la contemplation des lieux et à la prise de recul. Et il est très utile quand :

• La composition est un peu « sioux », par exemple où les lignes verticales et horizontales doivent être bien parallèles aux bords de l’image. Ou s’il faut faire très attention pour intégrer ou exclure des éléments.
• Je passe en pose longue pour créer un effet vaporeux sur un plan d’eau ou montrer le mouvement de l’eau dans une rivière.
• La lumière ou certains éléments de la scène vont évoluer lentement. Et je veux multiplier les prises sans changer la composition pour garder à la fin l’image qui rendra le mieux. C’est le cas de la photographie en en-tête de cet article.
• Je crée un panoramique destiné à de très grands formats (100cm de largeur ou plus)
• Je fais du HDR (high dynamique range) pour contrer de trop grands écarts de luminosité dans la scène : On prend plusieurs fois la même photo mais avec des réglages d’exposition différents (entre -3 et +3, voire -5 et 5, IL) et on fusionne en post traitement.

Petite remarque ; lorsqu’on shoote sur trépied, il est conseillé de désactiver les systèmes de stabilisation (boîtier et /ou objectif). Mais pour être franc, je l’oublie souvent et n’ai pas constaté de perte de netteté.

Exemple d’une prise de vue sur trépied : Au lever du soleil, ISO 100, f11, 1/5 sec -70mm-panoramique de 5 images

Conditions où je ne l’utilise pas

Mais installer un trépied et cadrer avec, prend beaucoup de temps. Et pour le trépied en photographie de paysage une condition sine qua none est que la lumière soit stable pendant quelques minutes ou évolue « lentement ».  Ce qui sous-entend déjà une météo stable !

Dès qu’il faut saisir la brève éclaircie d’une matinée de pluie, ou le rayon de soleil qui tombe pile sur le sujet principal, alors là adieu le trépied. Et il faut bien le dire, dans les Hauts de France, on est très souvent en train de jongler avec des lumières fugaces, qui jouent à cache-cache avec les nuages.

Et je me suis vite rendu compte qu’il est souvent illusoire d’espérer que la lumière revienne exactement comme elle l’était quelques minutes avant.

Ainsi, souvent le trépied reste accroché au sac photo, pendant que je shoote à main levée….

D’où la nécessité de savoir régler vite son appareil en fonction du rendu souhaité (dont entre autres, la mesure d’exposition). Et de faire confiance en sa capacité à cadrer juste du premier regard ou presque. Tout cela s’acquiert par la pratique régulière et l’entrainement, afin d’acquérir ces fameux automatismes.

Mais pour le HDR ?  Me direz vous. Eh bien, on peut y arriver sans trépied. En prenant quelques précautions que je vous partage.

HDR à main levée

• Tout d’abord je règle mon appareil en mode rafale (avec 3 ou 5 images selon le nombre d’expositions différentes que je prévois de faire en bracketing. Mais le plus souvent 3 suffisent).
• Je vérifie aussi que les systèmes de stabilisation (boîtier et/ou objectif) sont bien activés
• Je choisis une vitesse d’exposition, par sécurité, au moins égale à l’inverse de la focale (par ex 1/60 sec pour un 50 mm).
• Comme sur trépied, Je sélectionne la fonction bracketing. En programmant 3 prises de vue, le plus souvent et un écart d’exposition entre 2 vues de IL. Cela convient très bien, par rapport à la plage dynamique de mon capteur).
• Puis je me cale bien, cadre en tenant mes bras serrés contre le buste pour éviter de bouger entre 2 prises.

Exemple d’une prise de vue à main levée ; cet après-midi le ciel était en train de se couvrir, Mais les nuages soudain se sont mis à réfléchir la lumière sur les arbres bordant cet étang. Il fallait faire vite. Ça n’a pas duré très longtemps. ISO 100- 70m- f9-1/100sec

En conclusion

Pas de règle absolue. L’utilisation du trépied va dépendre des conditions de lumières, de la vitesse d’exposition et du temps dont je dispose pour capter l’instant et cette fameuse lumière.

Mais, compte tenu des avantages procurés par le trépied en photographie de paysages, ne pas l’utiliser doit répondre à une vraie raison « photographique ». La facilité ou la « flemme », qui conduisent parfois à ne pas le sortir, sont rarement de bonnes conseillères…

Liens

• Jérome Pallé, photographe- formateur : formation-photographe.net
• Ma galerie de photographies de paysages :  Ma Galerie – Bruno Patrel Photographies

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De par son intemporalité, ses sujets universels, son côté immuable et apaisant, elle peut prendre place dans différentes pièces d’un logis (salle de repas, chambres, corridor…).

En photographie, on peut utiliser différents types d’éclairages pour mettre en valeur une nature morte.

• La lumière naturelle pour révéler les textures,
• Le flash pour déboucher les ombres,
• La lumière continue pour jouer sur les contrastes entre les zones de hautes lumières et les ombres.

Une technique, en lumière « continue », que j’aime utiliser est celle du light painting.

Car elle permet de créer des « clairs-obscurs » rappelant les peintures du Caravage ou des Grands Maitres Hollandais du XVII -ème siècle.

En quoi consiste elle ? Il s’agit de plonger la scène dans l’obscurité puis d’éclairer/de « peindre » certaines zones avec une lumière de faible rayon pendant plusieurs secondes. Personnellement j’utilise une petite torche LED et de 1 à 4 secondes d’exposition.

Certes, le rendu est très variable, car dépend de plusieurs paramètres :

• L’orientation de l’éclairage,
• La hauteur de la lampe torche,
• Du temps pendant lequel on allume,
• De l’ampleur et du rythme du balayage du faisceau….

Chaque prise de vue est unique et il faut les multiplier pour avoir le rendu final qui nous convient. Le développement en post-production ne servant qu’à « peaufiner » l’image initiale.

Tous les sujets peuvent s’y prêter, les seules limites étant l’imagination du photographe.

Voici un récent exemple de réalisation, sur des légumes de saison. (Galerie – Bruno Patrel Photographies (brunopatrel-photographies.com)

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