Pendant longtemps, par défaut et par facilité je le reconnais, j’en ai mis… Mais je n’étais pas entièrement satisfait en raison de 2 aspects négatifs : Le rendu final, différent et les reflets souvent présents et perturbants pour bien apprécier l’œuvre

Avec l’expérience acquise au cours des expositions, j’en suis arrivé à quelques conclusions que je vais vous partager.

1- Préambule

Une premier point qui interpelle par rapport à l’utilisation d’un verre protecteur est le fait que les peintures ( à l’huile ou acryliques) en sont toujours dépourvues ou presque. L’exception étant dans les musées, pour certaines œuvres inestimables de Grands Maitres. Et malheureusement on peut comprendre pourquoi quand on voit de plus en plus de nos jours certains actes, dits « protestataires », effectués à l’encontre de telle ou telle œuvre.

Mais dans l’extrême majorité des cas, pas de verre. Alors que la surface, par la technique choisie de l’artiste, n’est pas toujours lisse. Et peut donc faciliter l’accumulation de poussières ou de particules présentes dans l’atmosphère. Bien que le temps puisse altérer les couleurs à cause de la lumière comme certaines études scientifiques l’ont démontré.

NB : Attention je parle de peintures à l’huile ou à l’acrylique sur toile- Pour les aquarelles et pastels sur papier, la situation est tout autre : A cause du support (papier) et de La grande sensibilité des matériaux à l’l humidité.

La photographie a elle-même beaucoup évolué au niveau des techniques et des choix d’impression.

On peut avoir des tirages sur toile, comme en peinture ou des tirages sur plaque d’aluminium, type Dibond® , ou dans des caisses dites « américaines ».

Dans tous ces cas, pas de verre protecteur ! Alors pourquoi en mettre sur un tirage papier ?

2- « Pros & cons »

J’ ai donc essayé de recenser ici les avantages et inconvénients, (les « Pros & cons » comme disent les anglo-saxons) d’un verre protecteur.

2-1 Avantages

– Fournis souvent par défaut

On ne peut pas parler d’avantage mais c’est un fait. Lorsque vous achetez des cadres industriels, ils sont toujours proposés avec leur plaque de verre, voire d’acrylique. Ce qui incite implicitement à utiliser ces dernières, sans trop se poser la question du pourquoi.

– Assurer la planéité

Selon moi, c’est probablement la raison première, voire originelle : Un tirage papier n’aura jamais la rigidité d’une toile montée sur châssis, même si on trouve des papiers très épais pouvant aller jusqu’ à 350 g/m².

Inversement, les laboratoires d’impression proposent même des papiers japonais très fins (L’Unryu ne fait que 55g/m²et le Murakamo 42 g/m² !!).

Donc, sans verre protecteur, la photographie risque, avec le temps, de gondoler. Voire ses bords « rebiquer » si elle est de taille plus petite que le cadre. Et d’autant plus si le support sur lequel elle est fixée est lui-même peu rigide.

– Protection

La raison de la protection est triviale, mais il faut faire 2 remarques :

La première : ne jamais mettre le verre au contact direct avec la photographie. Sinon, c’est prendre le risque que de la condensation se mette entre les 2, lors de changements de température. Condensation qui finira par altérer le tirage (ondulations, voire dénaturation des couleurs).

La 2 ème remarque est plus une question : protéger oui mais par rapport à quoi ? Et là tout dépend de votre environnement

Dans les intérieurs de fumeurs, l’agression va être importante : jaunissement des surfaces dû à la nicotine, dépose sur l’œuvre des particules fines en suspension.

De même si vous habitez une région à fort taux d’humidité (climat tropical ou intérieur très humide en ne chauffez pas assez pendant la saison des pluies). L’humidité va détériorer l’œuvre en altérant sa planéité, voire avec le développement de moisissures à sa surface.

3 -ème possibilité : un environnement très poussiéreux, voire avec du sable en suspension. Pas besoin de dessin, bien que la poussière ne soit pas un réel risque. Il est facile d’épousseter l’œuvre. Pour le sable c’est différent car il peut rayer irrémédiablement la surface de la photographie.

Enfin dernier risque et non des moindres, les UV du soleil attaquent les couleurs. Surtout si vous exposez votre œuvre directement ou presque aux rayons du soleil. Ceux-ci vont dénaturer les couleurs avec le temps, en particulier les rouges. Et la vitesse de dégradation va dépendre du type d’impression. Une impression par jet d’encre pigmentaire résistera beaucoup plus longtemps qu’une impression argentique.

Le verre peut alors apporter une protection à condition qu’il soit traité anti-UV. Et malheureusement les fournisseurs de cadres ne donnent pas beaucoup d’information sur les verres des cadres standards. Donc il vaut mieux considérer qu’ils n’ont pas de traitement anti UV.

Dans le cas d’impression par jet d’encre pigmentaire, un autre risque est la sensibilité à l’abrasion : En effet les encres résisteront mal à un frottement d’ongle par exemple sur la surface. Si vous craignez que des personnes indélicates ou peu soigneuses maltraitent la surface de vos tirages, le verre s’avère une bonne protection.

Les nouveaux types d’impression par exemple UV sur Dibond ® ou PVC allient « permanence » et résistance à l’abrasion 

– Conclusion

Donc finalement si votre environnent n’est pas agressif, que vous preniez soin de vos tirages et que vous ne placez pas votre œuvre trop face au soleil (du matin de l’après-midi ou du soir), un verre non traité anti UV n’apportera pas tant d’avantages que cela.

2.2 Inconvénients

– Les reflets

Tous ceux ou celles qui ont une œuvre, photographique ou une aquarelle, sous verre ont fait l’amer expérience des reflets disgracieux sur celle-ci. En particulier en cas d’éclairage, artificiel, orienté vers l’œuvre.

A tel point que lors d’une exposition à laquelle j’ai participé, mes confrères photographes m’ont tout de suite conseillé de retirer les verres de mes œuvres. Mais de les mettre derrière le dos cartonné sur lequel est fixé la photographie pour assurer la planéité. Bien leur en a pris. Et maintenant je garde les verres pour le transport mais les retire quasi systématiquement avant d’accrocher mes œuvres dans une exposition.

J’ai aussi le souvenir d’avoir visité une exposition , il y a quelques dizaines d’années d’un Grand Maitre photographe Japonais. Ses photographies, en très grand format étaient exposées sans aucun verre!

Bien sûr il y a la solution des verres anti-reflets. Mais attention, car il y a différentes qualités d’anti-reflets. Tout d’abord proscrivez les verres proposés par les grandes surfaces de bricolage. L’anti-reflet est appliqué sur les 2 faces et obscurcit la photographie. Il faut privilégier un verre n’ayant qu’une seule face anti-reflet que l’on trouve chez les spécialistes d’encadrement ou verriers. Nous verrons plus bas que le nec plus ultra est d’associer le traitement anti -reflet avec un traitement anti UV.

– -La perte de rendu

Lorsqu’un verre est intercalé entre l’œuvre et le spectateur, on perd quelque chose. Ce quelque chose c’est non seulement l’intensité des couleurs mais aussi le rendu ou le « toucher » dû au papier utilisé par le photographe pour l’impression. En particulier si l’impression est sur un papier mat, et même satiné. Le verre va tendre à rendre « brillant » le tirage. On perd aussi la texture du papier qu’il soit lisse ou au contraire un peu gaufré. Or le photographe attache très souvent une grande importance au choix du papier qu’il va utiliser pour ses tirages, en particulier s’il s’agit de tirages Fine Art (ou tirages d’art).

Personnellement, selon le thème de la photographie je vais choisir différents papiers. Par exemple un papier mat ultra lisse, pour avoir une finesse de détail dans les paysages. Ou un baryté satiné, pour sublimer les couleurs de mes natures mortes. Le choix du papier va contribuer à la beauté finale de l’œuvre, tout autant que la maitrise de l’exposition, la composition ou le développement. Mettre un verre, c’est amputer, malheureusement, une partie de l’œuvre.

3- Pour conclure sur l’encadrement d’une photographie : « verre ou pas verre ? « 

Le choix final de mettre ou pas mettre un verre protecteur va donc dépendre de plusieurs facteurs :

Du degré d’agressivité de votre environnement.

De la qualité intrinsèque du papier utilisé lors du tirage.

De votre propre sensibilité à l’importance du rendu final de l’œuvre.

Et comme souvent, tout est affaire de compromis.

Mais je pencherai pour 2 attitudes :

• Soit protéger l’œuvre mais avec un verre de haute qualité, traité anti UV et anti-reflets.
• Soit retirer le verre et le mettre entre le dos cartonné et le fond du cadre pour assurer une bonne planéité, si vous utilisez un cadre industriel.

NB : Pour ceux qui sont craintifs vis-à-vis du risque d’abrasion sur les tirages en impression par jet d’encre pigmentaire, une solution peut être la pulvérisation d’un vernis spécial proposé par certains fabricants de papiers Fine Art. Personnellement je n’ai pas encore testé mais je sais que des confrères l’appliquent.

Voilà, J’espère que cet article vous a plu. N’hésitez pas à me partager votre propre expérience ou vos commentaires

Quelques sources bibliographiques pour en savoir plus

Pourquoi certains tableaux vieillissent mieux que d’autres (theconversation.com)

Protéger, sauvegarder et entretenir ses œuvres

Pourquoi les pigments rouges s’estompent-ils dans les œuvres d’art historiques?

Comprendre l’altération des couleurs des toiles par Kévin Moris (afis.org)

Pour ceux que la durée de conservation sur les tirages photographiques intéresse, je vous conseille l’article ci-dessous du laboratoire professionnel Picto : Picto Online – Picto actif dans la recherche avec l’École Nationale Supérieure Louis Lumière

Liens vers mes autres articles

Le plaisir d’un beau tirage photo

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Pour renforcer cette simplicité on utilise souvent des matériaux « froids » comme le métal, le verre, le plastique. Le bois, quand il est présent, est plutôt de couleur claire et surtout très sobre, non sculpté.

De même au niveau du choix des couleurs on trouve souvent des jeux de contrastes marqués entre les éléments. C’est-à-dire, entre ceux de petite taille aux couleurs fortes (rouge, jaune, orange, vert, bleu vif, etc…) et ceux de grande taille qui auront des couleurs basiques (bleu, marine ou moyen, marron, gris, sable, blanc).

Au passage, je vous rappelle la recommandation de limiter le nombre de couleurs à 3 et d’avoir une proportion 1/4-3/4 , en surface , entre les couleurs fortes et les couleurs basiques.

Pas le temps de lire en entier cet article ? Vous pouvez le demander en format PDF afin de pourvoir le lire plus tard via le formulaire ci dessous:

Pour bien s’intégrer dans ce style de décoration, les photographies devront reprendre ces concepts de simplicité. Que ce soit au niveau du thème, de la composition et le choix des couleurs.

Les thèmes pourront être assez variés. Des portraits dépouillés au cadrage serré- Des photographies de rue au message puissant. Ou encore, des photographies d’architecture ou abstraites.

La composition sera minimaliste ou avec un graphisme marqué, voire en combinant les deux.

Quant aux couleurs , si le noir & blanc ou les monochromes sont à privilégier, on peut aussi jouer avec les contrastes entre 2 couleurs fortes

Quelques exemples de photographies

La première à gauche, que j’ai intitulé « Orgues dorées », a été prise sur une façade d’un bâtiment moderne à Lille. Prise de loin, au téléobjectif, les perspectives ont ainsi été écrasées et le cadrage se restreint à la juxtaposition des verticales et des diagonales. La présence d’une seule dominante de teinte renforce le côté graphique.

Pour la deuxième à droite, j’ai aussi utilisé un téléobjectif, pour n’avoir dans le cadre que ces fenêtres et un tout petit peu de la façade. Au niveau graphique il n’y a que des rectangles, des lignes verticales et des horizontales. L’aspect cuivré de la façade et les fenêtres pourront renforcer la présence de métal ou de verre d’un intérieur. Les couleurs se limitent à des camaïeux d’orange et de turquoise dont le contraste fort est dû à leur opposition sur le cercle chromatique. D’où le nom donné à cette image « Cuivre et Turquoise »

Attention cependant à ce qu’il n’y ait pas déjà d’autres couleurs fortes dans la pièce prévue pour y accrocher une photographie de ce type. Par contre, si la photographie rappelle des couleurs déjà présentes, cela accentuera l’harmonie de la pièce

Les images avec de fortes perspectives ou des lignes fuyantes marquées peuvent très bien aussi s’y prêter tant que la composition reste minimaliste.

Cette éolienne que j’ai prise de très près, en contre plongée se limite à 2 lignes (une diagonale et une verticale) et un rectangle. Le Noir & Blanc renforce également le graphisme. Il présente aussi l’avantage de ne pas risquer des contrastes disgracieux de couleurs avec un intérieur.

D’autres thèmes sont possibles. Dans un autre article, j’explique comment certaines photographies de « formes insolites, peuvent aller aussi avec une décoration moderne «  (Sur vos murs, des  photographies de formes insolites .  

Cas des photographies de paysages

Pour ceux qui aiment les paysages, je serai plus circonspect.

Je recommanderai soit une photographie en Noir et Blanc soit une dont la composition est très évanescente et plutôt aux tons pastel (sous réserve qu’ils s’associent avec le reste de votre décoration). Elles peuvent alors même « réchauffer » l’atmosphère de la pièce

Comme celle-ci dont la composition reste minimaliste.

Une autre possibilité réside dans les photographies rendues abstraites. Par exemple, grâce à la technique de prise de vue avec flou de bougé volontaire. Comme le pratique, avec réussite, Emmanuel Munier, un photographe de Bretagne. Pour l’illustrer, j’ai choisi ci-dessous une de ses œuvres ,dénommée « L’eau et le vent » :

De multiples autres exemples de thèmes auraient pu être présenté. L’important étant de garder en tête des principes de simplicité, de minimalisme ou de graphisme dans la composition.

Si cet article vous a plu ou si vous avez des remarques, n’hésitez pas à mettre des commentaires. Ils me sont toujours très utiles.

Nota bene

• A l’exception de « L’eau et le vent » toutes les photos de cet article sont issues de la galerie de mon site web  https://brunopatrel-photographies.com. Et certaines sont en vente sur la boutique du même site.

• Vous pouvez découvrir les photos abstraites d’Emmanuel Munier via son site, accessible par ce lien : PHOTOGRAPHIES DE BRETAGNE – Manu Munier Photographie

• Mes autres articles autour du thème photographies et décoration :

Sur vos murs, des photographies de formes insolites

Comment bien choisir une photographie pour sa décoration

Osez une photographie de paysage dans votre Décoration-1

Osez la photographie de paysage dans votre décoration-2

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Un moyen pour rendre sa décoration murale plus originale, et qui interpellera encore plus ses visiteurs, est d’accrocher une photographie où les formes, les textures, suscitent leur imagination.

C’est ce que j’appelle les « formes insolites ».

L’effet est encore plus efficace quand le sujet fait penser à un animal ou à un être humain (voire aux objets qu’il a coutume d’utiliser)

Le tronc ou les branches d’arbres se prêtent assez bien à ce jeu. Personnellement j’aime arpenter tous les lieux où ils peuvent pousser afin de pouvoir en dénicher un qui aura frappera par sa ressemblance manifeste ou qui stimulera notre imagination. Dans cette photographie choisie pour illustrer l’article, j’ai d’abord vu, une peinture ou une planche de bande dessinée, Mais en réalité c’était inconsciemment une hydre menaçante descendant inexorablement vers nous qui s’était imprimé sur ma rétine……

Une autre fois ce fut une immense moisissure ressemblant à une draperie ou à un rideau ancien, dans une fontaine asséchée, qui m’a sauté aux yeux en 2021. La photographie « Draperie d’Hunawhir », qui en a résulté, figure désormais dans la Galerie de mon site web ( brunopatrel-photographies.com ).

L’intérêt des photographies de formes insolites pour votre décoration

Le premier argument en faveur de l’utilisation de ce genre de photographies est leur originalité : loin des sentiers battus, loin des paysages « cartes postales « ou autres thèmes à la mode, etc…La réelle difficulté à trouver puis à photographier avec succès des formes insolites accentue la rareté des œuvres et donc cette originalité. En contrepartie, on doit s’attendre à ce que l’œuvre soit plutôt clivante : « on aime ou on n’aime pas ». Selon que l’on partage ou pas l’image mentale que le photographe a vu dans le sujet.

Si on aime la photographie exposée, on aura le sentiment à la fois d’exprimer sa propre personnalité et d’entrer comme en résonance avec le photographe qui aura su capter et transcrire la dite-forme.

Autre avantage, on aura plus facilement le sentiment d’avoir une œuvre d’Art accrochée sur son mur. D’autant plus si elle est tirée sur un papier de qualité (tirage Fine Art) et en série limitée.

Pour savoir les critères auxquels une photographie doit répondre pour pouvoir être considérée comme une œuvre d’Art je vous renvoie à mon article Osez la photographie de paysage dans votre décoration-2

Leur place en fonction du style de décoration

Par leur côté souvent abstrait, ce genre de photographies ira alors tres bien dans une décoration contemporaine. Je vous renvoie également à un article précédent (Comment bien choisir une photographie pour sa décoration ), qui traite entre autres des différents thèmes photographiques en fonction du style de décoration.

Son contraste avec un ameublement aux lignes sobres captera le regard de vos invités.

On privilégiera alors les pièces de convivialité (par exemple, les salons) mais elles peuvent aussi très bien s’intégrer dans une chambre d’adulte.

Complexité photographique des formes insolites

Même si cela ne sera jamais un argument en soi pour accrocher sur vos murs une photographie de formes insolites, peut-être vous interrogez vous sur la difficulté de les réussir.

Tout d’abord, réaliser une très belle photographie n’est jamais facile, même si la numérisation et le développement des smartphones tendent à faire croire, à tort, le contraire.

Mais la photographie de formes insolites accentue la complexité :

Il faut trouver le sujet, puis souvent tourner longtemps autour, pour trouver le bon angle qui mettra le mieux en évidence sa forme par rapport à la ressemblance qu’on a visualisée.

En termes de composition à la prise de vue, le sujet doit être le seul ou bien le principal élément de la photographie et le nombre de couleurs dominantes doit aussi rester limité.

Enfin, la maîtrise du post traitement devient cruciale pour mettre en exergue l’imaginaire transmis par le sujet. En plus des techniques habituelles à tout développement que ce soit dans Lightroom, Photoshop ou autres, on doit particulièrement travailler les textures et les contrastes. 

Qualité du support pour les photographies de formes insolites

Quel que soit le support utilisé, celui -ci devra être de qualité. Personnellement j’ aime bien les tirages Fine Art sur un papier épais pur coton. Je choisis ceux qui ont un peu de texture granuleuse afin de donner du relief à la matière du sujet photographié. De préférence mat ou à la rigueur satiné afin d’éviter les reflets ou un effet « plastique ». Mais c’est une affaire de goût, l’important est que votre support mette en exergue l’œuvre.

Conclusion

Une photographie de formes insolites vous assurera à coup sûr de l’originalité et suscitera la curiosité de vos invités ou clients. Tirée sur un beau support elle sera propice à devenir une œuvre d ‘art à art entière, apportant un plus à votre décoration.

J’espère que cet article vous aura intéressé . Voire qu’il aura suscité l’envie de saisir des formes insolites à travers votre objectif ou d’acquérir une photographie sur ce thème pour votre décoration intérieure.

N’hésitez pas à me faire part des formes insolites que vous auriez pu découvrir dans la nature. C ‘est toujours intéressant de voir ce que les autres perçoivent et qu’on aurait peut- être pas vu soi-même.

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Lors du précédent blog (Osez la photographie de paysage dans votre décoration-1),  nous avons vu que l’idée d’accrocher une photographie sur un mur pour décorer son intérieur pouvait susciter plusieurs réticences:  

L’une d’entre elle peut -être générée par vos doutes, sur le fait qu’elle puisse être assez valorisante ou digne de votre décoration…

C’est le thème de ce nouvel article

Suite de l’article:

Une époque contradictoire pour la photographie :

Il est vrai qu’il n’a jamais été aussi simple de faire de la photographie. Des millions de photographies sont prises tous les jours, mais souvent sans recherche artistique ou émotionnelle. Elles sont partagées immédiatement sur les réseaux sociaux. Et on les regarde sur nos écrans à toute vitesse ….
Par ailleurs, de nombreuses chaines franchisées proposent pléthores de photographies (encadrées ou non). Qui plus est, sur des supports de qualité souvent médiocres. Ce qui dévalorise encore plus l’usage de la photographie.
Et pourtant une photographie peut etre une véritable œuvre d’art, tout à fait à sa place dans une belle décoration intérieure.

3 conditions pour qu’une photographie soit une œuvre d’Art:

• La première évidemment est liée à sa qualité intrinsèque : elle doit être :
  • Réussie techniquement,
  • Avoir un fort impact visuel,
  • Et susciter de l’émotion en vous.
•  La deuxième est qu’elle soit tirée (imprimée) sur un beau support, résistant au temps : cela peut etre un support en aluminium, un papier Fine Art ou un support Dibond® ( Le support Dibond est un composite constitué de 2 couches aluminium extérieures et d’une couche centrale en polyéthylène).

Les papiers Fine Art n’ont rien à voir avec les papiers « RC » (RC pour resin-coated). Ces derniers sont bon marché, donnent un aspect « plastique à l’image (et encore plus quand ce sont des papiers brillants).

En effet, les papiers Fine Art sont en pur coton ou un mélange de coton et d’alpha cellulose et souvent épais (entre 250 et 350g/m² pour leur conférer une belle rigidité. Quand couplés avec une impression en jet d’encre pigmentaire ils garantissent alors de longue conservation (plus de 100 ans).

C’est le photographe qui choisit le type de papier, en fonction de l’œuvre photographique elle -même. Personnellement j’utilise 3 types de papiers :

• Papier pur coton, mat à texture tres lisse pour sublimer les détails des paysages.
• Papier pur coton, mat, mais plus texturé, pour les photographies d’arbres.
• Papier pur coton, satiné, à texture lisse,  pour avoir des noirs profond

Sur ce type de papier, une fois encadrée, la photographie révèlera alors la plénitude de son attrait.

• Troisième et dernière condition, le nombre de tirage doit etre limité.

D’ailleurs pour pouvoir etre considéré comme œuvre d’Art au sens de la législation ; le nombre maximum est de 30 exemplaires. Personnellement je me limite à 10, tous formats confondus.  Les  tirages doivent également être numérotés. Dans ces conditions, vous pouvez même bénéficier des déductions fiscales, applicables pour les oeuvres d’ Art  (si la photographie est exposée au public (hall d’accueil, salle de restaurant, salle d’attente, etc… ).

Ainsi, avec un esthétisme fort, un tirage sur un beau support et en série limité, une photographie devient une œuvre d’Art que vous serez fiers d’exposer.

Prochainement :

Le 3eme, et dernier, blog de cette série sur « comment choisir une photographie en fonction de votre décoration intérieure »

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Nous aimons parcourir nos compagnes, nous promener sur les bords de mer. Pourtant dans certaines régions, il y a parfois une réelle réticence à mettre une photographie d’un paysage local au mur.

Peut-être d’ailleurs faites-vous partie de ces personnes qui pensent que :

• « Ma région n’est pas assez photogénique » 
• « Une photographie n’est pas assez valorisante pour ma décoration ».
• « J’hésite sur les thèmes photographiques à choisir  »

Aujourd’hui je vais vous  montrer comment se détacher de la première croyance:

 « Ma région n’est pas assez photogénique »

Votre région est « plutôt banale ». Il n’y a pas de superbes spots comme le Mont Saint Michel par exemple ou de magnifiques points de vue comme en montagne ou sur la côte bretonne

Mais, ce que beaucoup de gens oublient, ce n’est pas les lieux qui rendent une scène photogénique mais la lumière : Le Mont Sant Michel sous la pluie donne rarement une superbe image. Tandis qu’un lever de soleil embrumé en pleine campagne donne envie de sortir son appareil photo ou son smartphone

Je vais vous faire une confidence……. Je n’avais à priori aucune attirance pour la Somme n’y voyant que les champs et la boue du Santerre sous un ciel gris d’automne ……. Mais ma compagne vit près d’Amiens … donc il y a 3 ans, je me suis fixé un défi. Arriver à faire de belles photos de paysages dans un rayon de 30 kms autour de son domicile.

Quelque mois après je participais à ma première exposition, en y montrant plusieurs de mes photos sur les étangs des environs d’Amiens. Dont cette photographie ; qui est désormais en première page de mon compte Instagram, ma page Facebook et mon site internet https://brunopatrel-photographies.com

Comment j’y suis arrivé ?

En suivant quelques principes simples ;

• Faire du repérage souvent.
• Y aller tôt le matin, Pour capter le lever du soleil  et profiter de cette fameuses heure dorée. (et pourtant je ne suis pas un lève-tôt croyez-moi !)-
• Prendre le temps de regarder, d’observer, d’admirer et même écouter. La marche est d’ailleurs un excellent moyen pour être attentif.
• Et surtout y croire- !  Même si certains jours les conditions paraissent moins favorables. Vous ne pouvez jamais savoir quelle lumière vous aurez tant que vous ne serez pas sur les lieux – Et le plus souvent vous avez droit à quelques belles surprises !

 

Fort de ces principes, je ne cherche plus systématiquement à « courir « le monde « à la recherche de beaux paysages. Mais à prendre le temps de découvrir ceux où je suis.

C’est comme cela que je peux passer une matinée à arpenter un parcours de golf des Hauts-de-France alors que je ne pratique pas ce sport- Juste avec mon boitier ; à traquer la lumière et l’angle de vue qui mettra en exergue un endroit du parcours.

L’important donc est d’être convaincu que toute région possède un potentiel photographique et qu’elle mérite d’être montrée aux autres.

La prochaine fois, nous traiterons de la 2eme croyance ; une photographie n’est pas assez « digne » pour une décoration intérieure.

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